quaz-art.it - blog ufficiale

Uomini che odiano le donne

2012-01-31T05:48:00.000-08:00

Su Quaz Art, riflessioni sul significato del tragico

CONSUELO BELLINI

2012-01-31T05:29:00.000-08:00

Per Artisti a Km0, gli incontri dedicati liberamente agli artisti del territorio pratese Giovedi 2 Febbraio ore 21:00 sarà il turno di

CONSUELO BELLINI

la cui ricerca è figlia dei ricordi dell'Infanzia, della passione per la Pop Art e la sperimentazione sui materiali non usuali

L'incontro avverrà presso l'Auditorium del Centro Pecci

Programma della serata:

ore 21:00 aperitivo
ore 21:30 presentazione

Segnando di Daniela Chinea

2012-01-30T06:47:00.000-08:00

ANIELA CHINEA, TALENTUOSA ARTISTA FOTOGRAFA , ESPONE IN MOSTRA MONOGRAFICA DAL TITOLO “SEGNANDO” PRESSO LA RINOMATA GALLERIA D’ARTE FAMIGLIA MARGINI A MILANO DAL 3 AL 16 FEBBRAIO 2012, CON INAUGURAZIONE VENERDI’ 3 FEBBRAIO ORE 18.00

Daniela Chinea, eclettica artista fotografa, ha scelto la nota Galleria Famiglia Margini, sita in via Simone d’Orsenigo 6, nel cuore di Milano, per esporre le proprie originali immagini foto d’autore, dal 3 al 16 Febbraio 2012.

La mostra personale, intitolata “Segnando” a cura di Massimiliano Bisazza e organizzata da Salvo Nugnes, ideatore del marchio “Promoter Gallery” Temporary Art Shop, sarà inaugurata Venerdì 3 Febbraio 2012, alle ore 18.00.

L’originale ed innovativo progetto coinvolgerà per alcuni mesi la Galleria, con l’allestimento di mostre ed eventi culturali di notevole portata ed interesse.

“Promoter Gallery” Temporary Art Shop è frutto del connubio tra appassionata vocazione per l’arte e consolidata capacità di gestione manageriale e richiama il diffuso e conosciuto sistema dei “Temporary Shop” già ampiamente applicato nel settore della moda, con grande successo.

Fin dall’inizio del suo percorso evolutivo, la Chinea concepisce la fotografia come un prezioso strumento, per immortalare e catturare il mondo circostante, nell’attimo fugace, nell’istante fuggente e sfuggente.

Ogni creazione acquisisce un significato unico e speciale, offrendo all’osservatore un’interessante spunto di riflessione, interiore e spirituale, che va ben oltre il semplice impatto visivo.
La rappresentazione diventa così un segno tangibile e concretamente percepibile del fluire del pensiero dell’autrice e del messaggio, che vuole trasmettere scegliendo di fare quel determinato scatto, con protagonista quel determinato soggetto.

Connotazione peculiare e distintiva è l’associazione della fotografia al disegno, in armoniosa fusione e perfetta sintonia, per evidenziare al meglio le emozioni e i sentimenti che la guidano, insieme alla fantasia e all’immaginazione.

Le fotografie di Daniela Chinea perdono la loro statica oggettività e vengono animate da vitale energia, in una dimensione quasi surreale, delimitata da quelle tracce, che seguono i battiti del cuore e penetrano l’anima di chi le guarda, per trasportarlo in un continuo divenire.

In ricordo di un amico

2012-01-30T06:36:00.001-08:00

Su Quaz Art il ricordo di un grande fotografo e amico...

In Memoriam

2012-01-29T07:35:00.000-08:00

Stamattina se ne è andato Massimo Prizzon, mio amico e grande fotografo... Di seguito, un commento critico sulla sua Arte, tratto da Night Italia, rivista di Marco Fioramanti

In occasione della personale di fotografia di Massimo Prizzon presso l'OfCA di Raffaele Cutillo (Caserta, ottobre-novembre 2009)
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MASSIMO PRIZZON
Architetto, una lunga esperienza nel marketing editoriale, dalla fine degli anni ’80 ha lavorato in comunicazione. Ha pubblicato libri e articoli, ha tenuto lezioni sul direct marketing e la pubblicità, ha gestito una propria agenzia. Nel 2003, dopo la morte della madre, ha visto il vuoto, un vuoto pieno di cose fatte ma vuoto dell’unica che avrebbe voluto fare e che aveva continuato a praticare solo come amatore: fotografare.
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Dopo la prima mostra, nel 2005, resa possibile dall’incontro con Lanfranco Colombo, ne ha tenute diverse altre, fra personali e collettive
I temi trattati dalle sue prime mostre vertevano sui temi della città, in particolare sulla documentazione delle periferie e delle architetture milanesi.
Con il Premio Maestro Città di Milano la sua attenzione si sposta anche sul ritratto: “I nove volti della qualità”, a fine 2007, viene esposta alla Triennale di Milano prima e poi all’Urban Center.
Da qui, anche grazie all’incoraggiamento del critico Roberto Mutti, il percorso di ricerca si sviluppa anche in grandissima parte appunto sul ritratto.
Dal 2007 in poi il cammino di ricerca si biforca su due strade.
Da un lato il ritratto in senso stretto che sfocerà presto nella definizione di un linguaggio fotografico suo proprio in questo ambito, e che darà vita al progetto, tuttora in corso di realizzazione, della grande mostra “L’anima in corpo”.
Dall’altro un filone espressivo che, sotto il nome di “Trans Figurazioni”, raggruppa due strade di ricerca: la prima – che deriva direttamente dal progetto L’anima in corpo – appunto sul corpo (rigorosamente in bianco e nero); la seconda – che deriva dal lavoro sulla città e sui suoi elementi – sulle superfici. Questo secondo lavoro insiste invece sul colore e sulla materia. Più recentemente inoltre la ricerca si allarga a contaminazioni (come la stampa calcografica da lastra fotoincisa) e alla collaborazione.
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"Trans/Figurazioni, o dell’addomesticamento del bianco"
di Marco Fioramanti

"Le visage humain n’a pas ancore trouvé sa face". (Artaud)

La ricerca di Massimo Prizzon si rivolge alla soglia dell’immagine che lenta si dissolve, sparisce fin quasi nel bianco di fondo, per riapparire leggera lungo le sottili ombre che ci riportano alla figura. Figura di donna, sempre, che traspare nel processo lento di “imbiancamento”. Lo stesso usato nel procedimento zen per dimostrare, attraverso le famose dieci icone, l’addomesticamento del bue [da LE DIECI IMMAGINI DEL BUE ZEN (D.T. Suzuki, The Manual of Zen Buddhism)]. Perché è di icone che tratta questo artista, e dei dettagli di quelle, al punto di farle diventare nuove icone, altro da loro. Prizzon, per raggiungere tale livello di consapevolezza e di controllo estetico/emotivo dell’immagine stampata, deve per forza aver percorso dentro di sé le stesse tappe del mandriano. Mettendosi dunque sulle sue proprie tracce – e su quelle del bue – che pensa di aver smarrito, si ritrova dapprima architetto, riflessivo e geometrico studioso della forma, colui che trasferisce sul territorio schizzi veloci e disegni calibrati. È là, infatti, tra “il fruscio delle foglie e il canto delle cicale al calare della notte”, che il suo bue lascia le proprie tracce e prende forma, nella memoria rossiccia delle grotte di Lascaux. Diventa poi uomo di marketing, stratega editoriale e studioso raffinato della funzione, management stretto tra trend e target. È qui, ora, nel viavai del flusso cittadino, che scopre finalmente l’animale dalle grandi corna. Viene naturale il passaggio successivo al pubblicitario, esperto d’immagine sociale, in un mondo selvaggio e indiscriminato che combatte per la sopravvivenza di un’immagine gigante, forse luminosa. È in questa nuova fase che il bue – oggetto e obiettivo della sua ricerca – dopo un’estenuante lotta, viene alfin domato. Finché l’animale, d’improvviso, scompare sotto gli occhi di tutti: il ricercatore Prizzon ha oltrepassato la sua mèta, diviene fotografo, specializzato nell’intimo e nel privato del corpo femminile. Comprende finalmente d’essere stato lui il vero oggetto della sua ricerca, l’assurdità di un sé separato. Ecco che un grande cerchio – occhio di bue – si forma nel biancore dell’immagine di donna che sta per apparire sul fondo della carta emulsionata. Mandriano e bue sono scomparsi nel vacuo biancore di un’esistenza irreale. La consapevolezza percettiva che cercatore e animale coincidono, avviene nell’attimo in cui il fotografo stringe su quella parte di corpo nudo femminile che inquieterà l’osservatore sulla parete bianca della galleria.
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"Le foto di Massimo Prizzon"
di Anna Maria Sansone

Dimmi quante sono le lune che girano intorno al pianeta che si chiama donna. Quante si addensano dentro il suo cielo, una accanto all'altra, grevi di latte lunare, tonde come pane sfornato.
Dimmi che sono sentiero sacro, segnato dal sangue. Fessura nella terra, varco fra pareti lisciate dai secoli. Passaggio nascosto per Petra. Cammino dell'incenso, montagna degli aromi. C'è polvere rossa sui tuoi piedi di viandante. Lungo questa strada tortuosa le carovane hanno lasciato cadere semi dai loro sacchi sdruciti, sono nate piante segrete all'ombra del mio umidore.
Dimmi che ti sei messo in viaggio, anche tu cercando.
E ora sei qui che mi guardi e dentro di me rinasci. Ti accolgo ogni volta bambino, e ogni volta ti restituisco alla tua vita di uomo.
Qui, dove vorresti perderti, steso su questa terra. Una nuvola è sospesa sopra di te, ha la forma del mio volto. Percorre il tuo corpo come onda di marea.
Intanto, le giovani lune compiono un giro dopo l'altro, disegnano orbite nuove, raggiungono il lato nascosto del mondo.
Dimmi che è tutta bellezza, quella che vedi, e non c'è ruga, non c'è imperfezione che non sia una fontana da cui tu possa bere.
E chissà se adesso riesci a riconoscermi, sebbene ti stia dinanzi come un paesaggio tutto nuovo. O se ti sembra che anche io sia, come te, appena nata. (Anna Maria Sansone)

A little piece of my art a cura di Togaci

2012-01-28T06:05:00.000-08:00

Il 10 febbraio 2012 la miscela di arte e letteratura che è l’anima dell’HulaHoop club si sublima in una serata intensa e carica di emozioni.

Apre la personale “A little piece of my art” di Martina Monopoli (dal 10.2.2012 al 23.2.2012).
La macchina fotografica si fa strumento di analisi pittorica: coglie un attimo metafisico in cui l’artista diventa soggetto della sua stessa opera ed entra fisicamente nella propria visione introspettiva. In una fusione di immaginazione, di effetti luministici e cromatici, Martina Monopoli ritrae i pittori ,e non (Eleonora Gianfermi, Stefano Bolcato, Cristiano Petrucci, Silvia Faieta, Gianni Lancellotti, Francesca Gerlanda Di Francia, Valerio Pierbattista, Marcello Toma, Valentina Zummo, Stella Venturo, Paolo Pietrangeli), e si fa interprete eccellente di un panorama pittorico multiforme e significativo.

Segue la presentazione del catalogo degli eventi 2011-2012 del binomio HulaHoop-Togaci, cui presenzierà il Consigliere della Provincia di Roma Gianluca Peciola ,che ha abbracciato il progetto.

Quale migliore intrattenimento, il palco dell’HulaHoop ospita il reading del cantiere letterario curato da Carlo Sperduti. Sulle scenografie di Francesca Gerlanda di Francia i ragazzi della “letteratura notturna” leggeranno i racconti più significativi, dando alla serata un sapore di notte magica, stravagante, inquieta e onirica.

(I lettori e autori dei racconti sono: Daniela Peruzzo, Diletta Fedele, Camilla Cossu, Felice Quartullo, Leonardo Battisti, Alessandro Reali, Marco Lipford, Patrizio D’Amico, Patrizia Berlicchi, Specchio Gelido, Elena Benigni).

Cristina Ricatti.
scrive per Martina Monopoli.

“A little piece of my art”

Pensate a una favola: un mondo fantastico, pieno di colori, di magie e sortilegi, dove figure stravaganti vivono la propria quotidiana fantasia. La storia inizia quando una fotografa di notevole talento attraversa lo specchio e si ritrova in tanti universi paralleli che si susseguono uno all’altro, da regni di incantevoli colori a scenari da incubo, incontra quei personaggi fiabeschi e ci parla, si fa raccontare il proprio sogno, poi chiede di posare per lei. Così, con il suo obiettivo, Martina Monopoli entra nel paese onirico dove i pittori diventano interpreti di se stessi, soggetti dei loro quadri, regala a ciascuno l’ambizione più grande per un artista: l’unione sublime con la propria ideazione, la mente che si riformula nel corpo del creatore. È un gioco sottile, geniale, che offre a Martina soluzioni perfette per il proprio orientamento. Quel dualismo fra aspetto esteriore e anima che ha sempre caratterizzato la sua indagine fotografica non poteva trovare esplicazione più efficace nel fondere la figura fisica degli artisti con la rappresentazione delle loro visioni interiori. Il vero aspetto favolistico per altro sta in questo incontro che sembra un lieto fine, qualcosa che doveva accadere per volontà del fato, perché la vivacità cromatica propria degli scatti di Martina si sposa alla perfezione con i colori e le stesure di quadri e opere che tornano all’origine, ridiventano tele su cui la macchina fotografica stampa con la più alta risoluzione i chiaroscuri forti, la contrapposizione di nero e bianco, i toni vivaci, gli effetti luministici che danno sostanza e concretezza anche alle più sfuggevoli irrealtà.

È un progetto collettivo, un discorso corale che non trascura però l’individualità di ogni modello e del suo personale set, la propria intrinseca espressività, così ogni posa, ogni scatto sono stati studiati per esaltare e rafforzare il significato delle singole opere o idee, il quadro non è solo uno sfondo, è un tutt’uno indivisibile con l’artista.

L’aspetto più esaltante di questa esperienza è sicuramente il connubio di tecniche artistiche differenti, che si mettono una al servizio dell’altra per rafforzarsi a vicenda; artisti diversi collaborano fra loro perché pittura e fotografia esprimano la forte complementarietà che le lega in una esigenza estetica multiforme, quanto univoca nel farsi espressione del pensiero intimo e dell’immaginazione.

Martina Monopoli

Martina Monopoli nasce a Roma nel 1985.

Il suo percorso di studi sociopsicopedagogici la porta ad interessarsi di psicologia e di linguaggio non verbale in quanto espressione inconscia delle emozioni.

Da qui nasce il suo interesse per il linguaggio visivo: tramite l'osservazione dei gesti, infatti, la verità viene rivelata per immagini.

Tuttavia è solo nel dicembre del 2009, quando resta profondamente emozionata da una fotografia, che sceglie la macchinetta fotografica come mezzo espressivo, decide di regalarsi una reflex ed intraprende un percorso di studi fotografici.

La sua fotografia, caratterizzata dai forti contrasti, spazia tra la trasposizione in immagini di sentimenti e mondi interiori ed il puro esperimento estetico, con una particolare predilezione per il ritratto come tecnica espressiva.

Il dualismo ed il complicato equilibrio tra interiore ed esteriore è ciò che la ispira, attraverso la sua personale ricerca fotografica sembra quasi voler arrivare a comprendere i meccanismi emozionali che legano tutti gli esseri umani ed allo stesso tempo caratterizzano ogni individualità.

Dal 2010 è attiva nel campo della musica live: Subsonica, Caparezza, Francesco De Gregori, Lucio Dalla, Daniele Silvestri, Gino Paoli, Skunk Anansie e Linea77 sono alcuni degli artisti che ha interpretato attraverso il suo obiettivo .

Lavora inoltre come fotografa sportiva partecipando ad eventi di rilievo nel settore delle arti marziali come Judo, Karate e Ju-Jitsu.

Nel 2011 espone le sue fotografie al “Dyonisos pub” e alla scuola “Pisacane” di Roma.

Collabora stabilmente con la webzine sound.36 e il sito di informazione sportiva fighting-promotion; anche 06live, Ondalternativa e Me.tro. hanno pubblicato i suoi scatti in diverse occasioni.

Attualmente vive e lavora a Roma come fotografa.

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http://www.gianlucapeciola.it/
Gianluca Peciola
Fare società significa agire, promuovere azione diretta.
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Il progetto HulaHoop nasce come impulso culturale volto all’esterno come una domanda: cosa ci facciamo con l’arte?

L’arte per noi è primariamente un’esperienza che se ben vissuta può stimolare altre produzioni o semplici suggestioni che mettono in moto atri progetti, ravvivano il senso critico e possono essere benefiche all’idea che la differenza si può fare.

Il progetto HulaHoop è quindi fatto di dedizione e cura per la migiore riuscita delle iniziative di artisti ma anche dei fruitori dell’arte.

Noi dell’HulaHoop, i nostri collaboratori (Togaci, Carlo Sperduti, Il Naufragarmèdolce) e i nostri soci hanno il fine comune di produrre per dire, per divertirsi, per provare quell’esperienza unica che è il fruire dell’arte.

Il presente catalogo artistico vuole essere un segno tangibile di questo lavoro, l’esplicazione di ciò che può essere (diventare) la comunicazione artistica, e non ultimo una testimonianza della nostra esperienza culturale fatta di tante voci e di diverse forme; tante e diverse perché pensiamo che la diversità sia un ampliamento delle possibilità, così passiamo dalla messa in mostra alla messa in scena, dal “costruire” storie al musicarle per far muovere questo cerchio che vive dell’iniziativa artistica e che deve poter girare per poter funzionare. Noi abbiao molte cose da dire.

STAFF: ELISABETTA TROVA E FRANCESCA GERLANDA DI FRANCIA
Hulahoop Club' - Via Filippo Magistris 91/93 - Roma

Monster Branding deformante

2012-01-28T05:53:00.001-08:00

Su Quaz Art, riflessioni filosofiche di Marco Ajello su una recente mostra presso la Galleria Mondo Bizzarro

CARENA , I SUOI , I CIELI

2012-01-27T06:06:00.000-08:00

Giovedì 2 Febbraio, alle ore 18.00 si inaugura a Torino, presso lo Spazio Arte Castello, in Piazza Castello 9, la mostra collettiva d'Arte

CARENA , I SUOI , I CIELI

Ricordo e suggestioni

che durerà sino al 15 febbraio

Un'evento in onore del maestro Antonio Carena, il grande artista dei “cieli”, scomparso nel 2010

Tra gli artisti partecipanti Michela Riba

Studio 420

2012-01-26T06:40:00.000-08:00

Dal 7 febbraio alle ore 19.00 al 24 febbraio si terrà la mostra Studio 420 presso la Gallery of Art - Temple University Rome

Lungotevere Arnaldo da Brescia, 15, Roma

Gli artisti partecipanti sono

ENRICO BECERRA
STEFANO BOLCATO
SILVIA CODIGNOLA
FLAVIA DODI
TERESA MEROLLA
SABRINA ORTOLANI
MICHEL PELLATON
LUIS SERRANO
MARCELLO TOMA

La mostra è a cura di Shara Wasserman

Con la mostra Studio 420, la Gallery of Art continua la ricerca sugli “edifici di artisti,” luoghi dove, in un singolo edificio, artisti hanno studi o dividono spazi lavorativi.

Questa ricerca è iniziata con la mostra Via Arimondi, continua con Studio 420, e si approfondisce nelle prossime mostre con altre situazioni romane.

La mostra Studio 420 presenta una selezione di opere di nove artisti che lavorano nella sede dell’Istituto Paritario E. Tozzi, sulla Circonvallazione Gianicolense, occupando le aule del secondo piano.

Già presentati al pubblico in alcune singole serate di studi aperti, questa mostra offre la prima visione di unità degli artisti . Indipendenti nella loro ricerca di stile, espressione e materiale, non formano un gruppo stilistico ed espressivo. La mostra cerca di sottolineare il legame artistico, lo scambio di idee, il forte senso di reciproca ricerca che unisce i protagonisti.

Attraverso questa rassegna viene espressa la vera essenza della creatività, in quanto risultato dell’esperienza umana.

esterni MUSEUM l'arte di fare cultura

2012-01-26T06:17:00.000-08:00

esterni MUSEUM

l'arte di fare cultura

31 gennaio – 31 marzo

AREA 35/Via Vigevano 35 Milano

inaugurazione martedì 31 gennaio ore 18

Per due mesi esterni espone la sua impresa culturale negli spazi di Area 35 a Milano e invita critici e cittadini ad ammirare e ad acquistare le 50 opere in continua evoluzione e i 25 artisti in movimento.

Una riflessione sul vivere contemporaneo in relazione alle nuove forme di fare cultura, un esperimento, la collaborazione tra le due realtà, galleria artisitca e impresa culturale, che da un lato trasforma il concetto di galleria e dall'altro crea un format sostenibile che si adatta ai tempi.

Un nuovo spazio artistico che esplora il contemporaneo e una mostra che indaga il cambiamento del pensiero creativo.

AREA 35 ha collaborato alla realizzazione della mostra, non solo mettendo a disposizione i bellissimi spazi della galleria d'arte di via Vigevano 35, ma anche attraverso la sua consulenza curatoriale. Area 35 esplora arte, pittura, scultura, design e architettura indagandone e testimoniando il continuo cambiamento del pensiero creativo.

Per informazioni

redazione@esterni.org
+39 02 713 613

Ufficio stampa

Francesca Perona
media@esterni.org
+39 333 8077889

esterni
Via Vigevano 35, Milano
+39 02 713 613

www.esterni.org

Nuova Oggettività a Milano

2012-01-26T06:07:00.000-08:00

Il Libro Manifesto Nuova Oggettività a Milano...

*“ Un volo neoumanistico e neoideale, aperto alla complessità stessa e multicolore del computermondo. Soprattutto il libro manifesto “Nuova Oggettività” (2011), a cura di Sandro Giovannini, Giovanni Sessa (e altri)”.

….Intervista a Sandro Giovannini…

D - L'intellighenzia italiana, attardata e ancora ideologica?

R - Possiamo constatare che agli alti livelli ormai vi è una koinè ben più consapevolmente unitaria di quanto spesso si reputi … Ma spesso manca il coraggio ed impera ancora la paura di perdere i privilegi acquisiti. A livello invece della cultura giornalistica o medio bassa... si affermano ancora rozzamente stilemi reciproci d’esclusione violenta ... tutto dipende, come sempre, dalla nostra disposizione autenticamente attivista ed efficacemente performativa. Comunque l’idea, rara, va salvaguardata, mentre la strutturazione dialettica per il potere segue (ha seguito sempre) ben altre logiche... L'idea nobile è rara è alla base del “nostro” LIBRO MANIFESTO PROGETTO NUOVA OGGETTIVITA'...

(da “Futurismo per la Nuova Umanità...” (ARMANDO editore, 2012)

Lunedì, 30 gennaio 2012, seconda presentazione ufficiale a Milano, dopo quella di Roma del dicembre scorso (Accademia di Romania) per il libro manifesto “AA.VV.Per una Nuova Oggettività, popolo, partecipazione, destino”, a cura di Sandro Giovannini,Stefano Vaj, Giovanni Sessa, Gian franco Lami e Claudio Bonvecchio ( scrittori e-o docenti Università La Sapienza di Roma) Heliopolis, Pesaro-Roma, 2011.

Presso la Biblioteca di Palazzo Isimbardi, ore 17.45, intervengono oltre ai curatori Luigi Sgroi, Giuseppe Manzoni Di Chiosca, Davide Bigalli(Università di Milano), lo stesso Giovannini, alcuni autori e oltre ai curatori della presentazione, lo stesso Stefano Vaj, Andrea Scarabelli e Roberto Guerra.

“Per una Nuova Oggettività...”,coinvolge circa 150 aderenti e oltre 90 autori: scrittori, sociologi, filosofi da tutta Italia, noti accademici o letterati underground.

Pur appena edito, ha già suscitato clamore in certa cultura italiana , tra nuova Tradizionalità e neo/ur/futurismo: un articolatissimo manifesto libro progetto,programmaticamente anti-ideologico, molto aperto e trasversale e in progress: sullo sfondo di certa matrice, ben nota soprattutto nell'area romana che viene da certo Dopo Nietzsche, per dirla con lo stesso curatore Lami, scomparso alla vigilia della pubblicazione.

Per “un Mutamento di Cuore" (e volontà di bellezza-potenza) nella cultura italiana, auspicata, nuovamente intrisa di pulsioni forti ideali, antagonista ma costruttiva, futuribile, oltre i limiti sia del Novecento appunto ideologico, sia del postmoderno.

Oppure con le parole stesse di altri due dei promotori:

Luigi Sgroi: – Milano e Roma... Capitali d'Italia? Credo che Milano sia una tappa obbligata per riprendere il filo di una tradizione che vede nel rapporto bipolare di queste due città , il segno di un destino che ha tracciato la storia del Novecento italiano : dal futurismo e il fascismo fino al fenomeno Berlusconi e al leghismo....cento anni di storia di luci ed ombre di milanesi che hanno guardato a Roma , nel tentativo di rifare ( o disfare direbbero alcuni....! ) l'Italia.Penso che il progetto del libro " Per una Nuova Oggettività,vada allora letto in questo senso più come un manifesto di una consapevolezza che vuole chiudere un periodo, guardare le proprie ferite e preparare il nuovo che avanza. Ma il nuovo è una grande sfida.....c'è il timore di nuove lacerazioni.

Noi siamo solo ,forse, tra gli ultimi naufraghi di un mondo al collasso , consapevolidi quanto profonde e profetiche fossero le parole dei maestri del pensiero tradizionale.

Eppure, proprio per questo manteniamo un barlume di ottimismo .....

StefanoVaj “Milano e Roma... Capitali d'Italia? In Italia (forse in Europa) da circa mille e cinquecento anni tutte le rivoluzioni partono da Milano. Nonsto a farne l'inventario, perché ognuno può ricavarne l'elenco dal suo sussidiario delle medie inferiori. Chissà che la cosa non sia di buon auspicio?

http://www.diffusionesud.it/magazine/notizie/libro-manifesto-per-una-nuova-oggettivita/ info

Uff. stampa nuovaoggettivita.blogspot.com (R.G.)

guerrazzi1@live.it

sandro.giovannini@libero.it

Personal Effectsonsale

2012-01-25T05:35:00.000-08:00

personal effectsonsale
26-29 gennaio 2012opening 26 gennaio ore 18

Padiglione Esprit Nouveau
piazza Costituzione 11 Bologna

(davanti all'ingresso principale di Artefiera)

personaleffectonsale.wordpress.com

personal effectsonsale è un progetto espositivo che mette in scena l'oggetto d'artista, in programma dal 26 al 29 gennaio 2012 in occasione di Arte Fiera presso il Padiglione Esprit Nouveau, progettato da Le Corbusier nel 1925 per l´Exposition Internationale a Parigi e ricostruito a Bologna nel 1977.

personal effectsonsale si presenta come un diario visivo dove artisti italiani e internazionali e di generazioni differenti mettono i propri effetti personali (in forma anonima) a disposizione del pubblico, che li potrà comprare al costo di 9.99 euro.

La paternità degli oggetti verrà svelata solo dopo l’atto dell’acquisto, con la consegna del certificato di proprietà firmato dall'artista, scoprendo affinità elettive impensate. I proventi raccolti durante i giorni della mostra permetteranno di pubblicare un catalogo sul progetto.

un progetto di
Francesco Calzolari, David Casini, Viola Emaldi, Irene Guzman, Valentina Rossi, Marco Scotti, Sissi

A Oriente Città, uomini e Dei sulle Vie della Set

2012-01-25T05:29:00.001-08:00

Su Quaz Art, nuovo articolo, dedicato alla Biennale d'Oriente a Roma

The Wings of Colours

2012-01-24T12:18:00.000-08:00

Inaugurerà sabato 28 Gennaio, alle ore 18.30, presso il Present Art Space di Firenze, in via dei Serragli 56/58 la mostra personale del pittore astratto olandese Raymond Hoogendorp.

Artista ormai affermato in patria, Raymond Hoogendorp sta ottenendo sempre maggiori riconoscimenti anche all’estero, con esposizioni personali a Tokyo, Stoccolma, Lisbona, Bali e Monaco. Solo nell’ultimo anno le sue opere sono state esposte e apprezzate al Rijksmuseum di Amsterdam, alla KIAF–Korea International Art Fair di Seoul, al WorldArtVision di Barcellona, all’VIII Biennale Internazionale dell’Arte Contemporanea di Firenze e presso il Grand Palais in occasione dell’OpenArtCode Paris.

Classe 1973, Raymond Hoogendorp è un artista la cui vocazione per la pittura risale alla tenera età: inizierà a dipingere all’età di otto anni e a tredici realizzerà la sua prima mostra. Nel corso degli anni la sua ricerca si è purificata da ogni figurazione per pervenire a una pittura astratta che fa del gesto e del colore i supremi protagonisti.

Influenzato dalla pittura Color-field, Raymond – questo il nome d’arte che spicca come firma sui suoi dipinti – lavora su tele di grandi dimensioni, sulle quali organizza vere e proprie sinfonie cromatiche. La sua opera, caratterizzata da una grande libertà espressiva, è stata variamente assimilata a quella degli esponenti dell’espressionismo astratto americano; in particolare a quella di Sam Francis, col quale condivide i bianchi sfondi e le vivaci macchie di colore lasciate libere di scorrere e conquistare lo spazio della tela.

Nei suoi dipinti si passa dal getto energico dei colori a zone più controllate, in cui la materia coloristica viene domata e mitigata. Le parti a rilievo, create con addensanti acrilici, determinano il ritmo e le pause del colore, il quale, inondando la tela, lascia emergere delle isole cromatiche, dove i pigmenti si incontrano e si amalgamo fino a formare delle concrezioni vibratili.

Le campiture informi e fortemente materiche manifestano l’insorgere di un’emozione, che, nel preordinato movimento aggettante di linee e spirali, si fa poesia e ispirazione. Il risultato è simile a una partitura musicale, in cui l’incontro dei colori – ciascuno con la propria vibrazione e intensità – viene altresì esaltato attraverso la giustapposizione e il contrasto, dando origine a una creazione “contrappuntistica”.

Se da un lato i dipinti materici deflagrano la forza di un’emozione prorompente e giocosa, altri sembrano bisbigliare sottovoce i sentimenti più intimi e riposti. Su queste tele i colori si fanno acquosi, sfumano in lievi gradazioni, fino a dissolversi, attraverso tonalità tenui e impalpabili, nel candido sfondo.

Stefano Giovannone - Piccolo Film

2012-01-24T11:58:00.001-08:00

Martedì 31 gennaio 2012, alle ore 18,00 a Roma, presso lo Studio Arte Fuori Centro, via Ercole Bombelli 22, si inaugura la personale di Stefano Giovannone Piccolo film, curata da Loredana Rea.

L’esposizione rimarrà aperta fino al 17 febbraio, secondo il seguente orario: dal martedì al venerdì dalle 17,00 alle 20,00.

La mostra, è il primo appuntamento di Molto rumore per nulla, ciclo di approfondimento, ideato dal critico Loredana Rea con l’intento di riflettere sul ruolo dell’arte. Mai come in questi ultimi mesi, proprio mentre mutano profondamente i rapporti tra esperienze artistiche, pubblico e mercato, ci si interroga con nuovo vigore sul suo valore, sul suo campo d’azione e la sua funzione in una società fondata sulla contraddittoria necessità di apparire in conformità ai criteri imposti da pochi, al punto che sempre più spesso il dover essere è sempre più importante dell’essere.

Nell’arco di tempo compreso tra febbraio e giugno sei artisti – Stefano Giovannone, Maria Pia Daidone, Patrizia Molinari, Franca Bernardi, Gabriella Di Trani, Paolo Gobbi – differenti per formazione e scelte operative, si confrontano per evidenziare l’importanza di una pratica di continuo e ricercato sconfinamento, strettamente connessa alle metodologie di lavoro e agli strumenti di espressione. Quello proposto è dunque un percorso caratterizzato da un’articolazione complessa, con il proposito di offrire al pubblico un’ipotesi di lettura capace di lasciare emergere una sintesi tra modalità esecutive ed esiti formali maturati in ambienti culturali diversi, senza però proporre uno schema concettuale, inevitabilmente inadeguato per contenere non solo le singole problematicità degli assunti, ma anche la molteplicità formale dei risultati.

Per questa esposizione Stefano Giovannone presenta un’installazione di grande suggestione, che rappresenta un ulteriore e organico sviluppo dell’originaria necessità di elaborare criticamente gli elementi autobiografici in funzione di un linguaggio evocativo eppure minimale. Questo lavoro, realizzato appositamente per l’appuntamento espositivo con Studio Arte Fuori Centro, lascia trasparire la consueta attenzione al raggiungimento di un equilibrio formale, che è alla base dei suoi lavori, caratterizzando in maniera determinante la sua ricerca. Non è un caso quindi che elementi e mezzi espressivi molto diversi convivano tra loro e si relazionino in maniera dinamica, a creare una stratificazione di immagini e suoni, che hanno segnato lo scorrere di una vita familiare.

Quello che l’artista ha progettato è, infatti, un intervento in cui frammenti di architetture minimali (un pavimento antico, un fregio decorato) si rapportano a frammenti dipinti (un grammofono, un lampadario, una casa, la silhouette di un opificio) o immagini proiettate a significare i frammenti di un passato recente. Sono i segni della storia della famiglia di origine da cui non può prescindere e che anzi rappresentano l’incipit della sua riflessione.

Rectròspettive pre mortém

2012-01-23T06:33:00.000-08:00

Rectròspettive pre mortém

TheRoom Gallery

vernissage 9 febbraio 2012, h 19

fino al 23/ 02/ 2012

robberto

Testo a cura di Naima Morelli

Siinaugura il 9 febbraio, negli spazi della The Room Gallery, la personale diRobberto.

Tenendoconto dello stato dell’arte, dove la morte di un artista può fare la fortunadelle opere dell’artista stesso (o magari dei suoi eredi), Robberto, in manierapolemica ma anche emblematica, ha scelto di intitolare e strutturarel’esposizione come una vera e propria retrospettiva, facendo dell’allestimentodelle proprie opere una grande opera finale che in realtà non è un punto difine ma, se non di inizio, senz’altro di snodo.

Sitratta nondimeno di una presa di coscienza della velocità della storicizzazionedegli artisti: se una volta si era certi di poter pronunciare la frase “Iltempo ce lo dirà” senza mentire, adesso il fattore temporale non è più unagaranzia di validità.

Eppure,in un ambiente accademico dal quale proviene l’artista, l’esempio consolatoriodi Van Gogh che, come vuole la leggenda, vendette in vita un solo quadro,ancora circola e alimenta speranze.

Ladomanda che sorge spontanea è: cosa succede quando il contemporaneo diventatalmente contemporaneo che gli artisti vengono consacrati dalle istituzioni moltoprima che ci sia stato il tempo materiale di assimilarli?

Ed’altra parte, perché aspettare la propria scomparsa o i sessant’anni per poterfare il punto della situazione, in un mondo i cui ritmi frenetici non cessanodi spingere sull’acceleratore?

Partendoda queste due constatazioni che costruiscono due spinte motrici contrastanti,Robberto organizza gli spazi della galleria in modo da creare tre ambienti,corrispondenti ai suoi modus espressivi:il primo dedicato al figurativo, un altro all’astrazione, e un ultimo dovedomina un’istallazione.

E’un portare in piena luce la fittizia caduta da cavallo mortale di D’Annunzio,facendone un’operazione concettuale, ma basata su pitture e istallazioni che hannoinvece molto di materiale, nonché di vissuto personale.

Mettendoin scena prematuramente la propria morte, c’è la volontà di esorcizzarla e diaccelerare artificialmente un processo di valutazione che contribuisce arisolvere il dilemma stesso insito nell’opera.

Robbertonasce a Cagliari il 06/ 02/ 1989

info@robberto.com

Partecipaa numerose esposizioni di cui:

2010- Gemine Muse, Roma

2011 – Return,Royal Accademy, Antwerpen (BE)

2011– Tra Cielo e Terra, (Palazzo Barolo( To), Carisbo(Bo), Museo Marino Marini(Fi)

The Room Gallery

via Cairoli 74, Roma

dal lunedì al sabato, dalle 14 alle 24

www.theroomrome.com

+39 06 64 87 0 818

Numero 33 di Potpourri Magazine

2012-01-23T06:16:00.000-08:00

“Se la religione fu l’oppio dei popoli…”

Potpourridi gennaio è online

In questo numero:

L’utopia dellademocrazia, surrealismo in polaroid, la ricerca dell’io nel cinema, cittàsommerse di Quaz-Art, assistenza ai malati terminali, fotografia di guerra,illustrazioni delle sorelle Arturo e di Barbara Correnti. Buona visione!

Sfoglialoonline

E su Quaz Art approfondimento sull'artista Andrea Gatti a cui Potpourri dedica uno speciale

Dialettiche

2012-01-23T06:06:00.001-08:00

Su Quaz Art, una riflessione su alcune mostre nel quartiere San Lorenzo a Roma

LA DANZA DELLA VITA di ANNA POERIO

2012-01-21T07:50:00.000-08:00

LA DANZA DELLA VITA di ANNA POERIO A CURA DI MASSIMILIANO BISAZZA
DAL 23 GENNAIO AL 3 FEBBRAIO 2012
VERNISSAGE 22 GEN. ORE 18.00

Mostra aperta da lunedì a sabato dalle 10:00 alle 19:00

IN COLLABORAZIONE CON:

RISTORANTE SCIMMIE
CITY
TIPOGRAFIA SPADA
MACHI GRAF
OFFELLERIA TACCHINARDI

All'interno dell'innovativo marchio “PROMOTER GALLERY Temporary Art Shop” di SALVO NUGNES

La pittura di Anna Poerio è densa di quel "verismo sentimentale" e non solo oggettivo delle figure protagoniste nelle sue opere. Ci porta in una dimensione contemplativa ma spesso surreale e metafisica.

Il percorso stilistico della Poerio è caratterizzato da un’intensa interpretazione concettuale, che evidenzia il fascino, la grazia e l’eleganza del corpo umano. In particolare, le figure femminili, giovani, sinuose e accattivanti, vengono rappresentate mentre si muovono in passi di danza, con leggerezza e in profonda sintonia con la natura e il mondo circostante,in un ritmo, che segue musiche immaginarie, percepibili e intuibili nella gestualità. Le donne vengono congiunte ai fiori, simbolo di delicata purezza e nobili sentimenti. La sensibilità e la capacità comunicativa dell’artista emergono appieno nelle opere, che rispecchiano una riflessione interiore, in cui l’arte e le sue manifestazioni sono come un’ancora di salvezza, per rasserenare gli animi e le menti.

Le tonalità cromatiche e i giochi di luce, sapientemente intrecciati, creano una dimensione spaziale di immediato impatto visivo ed emozionale. Il linguaggio artistico della Poerio è ricco di suggestioni e stimola la fantasia dell’osservatore, che ne viene coinvolto e quasi travolto, come in una dimensione onirica, in cui il sogno e la realtà coincidono e la libera interpretazione trova intriganti contesti fiabeschi, in cui immergersi. L’estro creativo della Poerio è un inno a celebrare l’arte e il desiderio di istintiva spontaneità, come il librarsi delle sue creature danzanti, che vibrano sulle tele e si innalzano a fondersi con l’universo cosmico, in un tripudio di radiosa energia e autentica forza vitale

Ma-donne di Roberta Serenari

2012-01-21T07:35:00.001-08:00

Venerdì 27 gennaio, presso lo Spazio P.Ark - Comunicatori su Misura - Via Santo Stefano 164, Bologna - tel. 051/6569706 si inaugura la mostra Ma-Donne di Roberta Serenari a cura di Maria Rita Montagnani

Ma-Donne è inserita nel calendario delle iniziative di Arte Fiera OFF e parteciperà anche in occasione della Art White Night di sabato 28 gennaio, quando lo spazio rimarrà aperto fino a tarda ora.

L’inaugurazione è prevista per venerdì 27 gennaio 2012 alle ore 18,30 alla presenza dell’artista e della curatrice. In esposizione alcune tele della pittrice bolognese, incentrate sulle figure femminili come elemento salvifico proiettato nel futuro. “Soggetti diversi”, spiega la Serenari, “bambine, donne, madonne, dèe o streghe. Icone femminili che rappresento in questa mostra e che sembrano vivere la dimensione sospesa e metafisica di un tempo congelato, seppur esprimendo la loro vocazione di futuribili guerriere...”

ROBERTA SERENARI : MA-DONNE, SOVRANE DEL SE’

Roberta Serenari è artista- pittrice di mondi paralleli e sotterranei, la cui luce di sghembo ama ritagliare nel mistero le sue figure dalla chiara oscurità. Figure femminili come icone del mondo al di là del mondo,ognuna delle quali è un cesello d’ombra su un clamore di velluto.

Che siano madonne, dèe, streghe o bambine, stanno tutte raccolte in una nicchia di altera inafferrabilità, eppur vissute, eppur segnate da una vita estranea e farneticante, ma sempre inalterabili da alcunché di umano e di terreno. Impenetrabili e indecifrabili, vegliano i nostri sogni inquieti, visitano le nostre notti come succubi bisognosi di dedizione e di totale devozione, e non importa se irrompono dentro i nostri pensieri come un incubo, perché esse portano con sé lo stigma della nuova coscienza, della profonda lucidità psichica.

Come vere personificazioni del femminino esse incarnano la potenza immaginifica dell’archetipo cui appartengono e che agisce su di noi con il potere soverchiante dell’inconscio. Sono sovrane del metaxy, del regno di mezzo, e come tali portano dietro di sé lo strascico di una regalità severa ma scintillante, lasciando nel loro passaggio tracce di numinose presenze, di strani fremiti della mente.

Così il realismo magico della Serenari ci pone subito in contatto con la nostra alterità, e con le sue inquiete epifanie, con le sue enigmatiche immanenze, rende il non-detto più gravoso e persistente di un grido.

E in quell’apparente immobilità che “muove”si agitano tutte le larvate forme dell’immaginario, dal doppio al suo fantasma, e tutto ciò che non trova più spazio né collocazione nella nostra limitata razionalità. Così queste ma-donne, dèe oscure e sovrane del sé, ne trovano uno dilatato e infinito nelle nostre paure ed ipocondrie, nei recessi più inconoscibili del nostro essere.

E come ogni archetipo anche il Femminino di Roberta Serenari , addita e ammicca ad una salvezza, quella capacità illuminante di perdersi in qualcosa di eterno – nell’anima e nella bellezza – senza dover e poter più ritornare come e ciò che si era prima.

Maria Rita Montagnani

L'eredità della Transavanguardia

2012-01-19T05:27:00.000-08:00

Su Quaz Art, riflessioni sull'eredità della Transavanguardia

Fernando Rea l’eros nascosto

2012-01-19T05:21:00.000-08:00

Fernando Rea l’eros nascosto

Villa Comunale
via Marco Tullio Cicerone 22 – Frosinone
25 gennaio – 10 febbraio 2012
Inaugurazione mercoledì 25 gennaio ore 18,00

Mercoledì 25 gennaio 2012, alle ore 18,00 a Frosinone, presso la Villa Comunale, si inaugura la personale di Fernando Rea L’eros nascosto, curata da Alfio Borghese, con testo critico di Marcello Carlino.
La mostra, promossa dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Frosinone, con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura della Provincia, rimarrà aperta fino al 10 febbraio tutti i giorni (compresa la domenica) dalle ore 9,00 alle 13,00 e dalle 15,00 alle 19,00.

Raccoglie un nucleo importante di lavori inediti, che l’artista ha realizzato a partire dal 2000, nel segno di Eros e Thanatos, a creare un percorso articolato capace di restituire la complessità di un linguaggio che nel mito ha trovato stimoli, suggestioni e ragioni di essere.

Per Rea da quasi un ventennio la mitologia rappresenta, infatti, non soltanto il motivo di irrinunciabili input creativi, quanto piuttosto la possibilità di costruire un sottile equilibrio tra passato e presente per cancellare la contrapposizione. Queste opere recenti si presentano quindi come una particolare rilettura del passato a livello del contemporaneo. In esse ritroviamo la tradizione dell’arte occidentale e la necessità di rinnovarla, avendo coscienza di quella pluralità di stratificazioni culturali che la caratterizzano, al punto che l’artista ha elaborato una metodologia di lavoro assolutamente innovativa, in cui le tecniche abituali, dal disegno alla pittura, dal collage alla grafica, si rapportano dialetticamente all’uso delle nuove tecnologie, dalla fotocopia all’elaborazione digitale. Le immagini da cui parte molto spesso sono prese dai giornali, decontestualizzate e ricontestualizzate attraverso manipolazioni, ritocchi, tagli e inevitabilmente interventi pittorici, cosicché i protagonisti di reportage, servizi di moda o pubblicità si svestono dell’attualità per animare una dimensione senza tempo.

Venere, Orfeo, Giove, Persefone, Elena e altri dei ed eroi, che Fernando Rea crea senza soluzione di continuità, si presentano non solo come memoria di una cultura originaria, attraverso cui riscoprire le motivazioni del presente, ma anche come possibilità di ripensare alla classicità in una prospettiva critica, in cui i termini di tradizione e di sperimentazione sono intesi come complementari, non come contraddittori. Il processo di riattualizzazione del mito, messo in atto con un inesauribile desiderio di innovazione, è inteso come la possibilità di riappropriarsi dell’originaria identità culturale, per evitare la spersonalizzate e spesso sterile omologazione prodotta dall’inarrestabile globalizzazione.

Come scrive Carlino nel testo critico:

“Il lavoro pittorico di Rea punta nella direzione di un’origine, di un cominciamento prima di ogni tempo, e in parallelo, con ritmo altrettanto sostenuto, si volge al futuro come disseminandone gli indizi, i segni incipitari e sembra annunciare quel che non è ancora, configurandone l’eventualità. Il “di qua” di una indistinta e condivisa totalità originaria che ha i caratteri del sogno e dell’utopia e il “di là” di qualcosa che si mostra indeterminato e che tuttavia ci attende e attende il nostro impegno per l’avvenire: contro il postmoderno concentrato asfitticamente sul presente, ridotto sulle sue piccolissime misure, nella rappresentazione di queste tele l’oggi non ha tempo di consistere e si riapre dinamicamente, si rivitalizza riempiendosi di passato e di futuro”.

per informazioni:
Villa Comunale via Marco Tullio Cicerone 22 03100 Frosinone
tel. 0775 874141
orario tutti i giorni 9,00-13,00 15.00-19,00
alfio.borghese@libero.it

Black and White

2012-01-18T05:49:00.000-08:00

La Galleria Minima - Arte Contemporanea di Roma, presenta la mostra " Black & White".

La mostra segue una linea di ricerca nell'arte contemporanea. L'esposizione presenta 7 artisti - Bonamore, De Angelis, DeVine, Pacchiarotti, Parretti, Stigliano, Tosto - che mediante l'uso del bianco e del nero, si esprimono attraverso un linguaggio concettuale ognuno con una propria poetica, creando un discorso collettivo di stampo contemporaneo.

Black & White
20/01/2012- 24/03/2012
Orari: dal martedi al sabato dalle 16.00 alle 19.00.

per info:
Galleria Minima - Arte Contemporanea
Via del Pellegrino 18, 00186 Roma (Campo dè Fiori)
galleria_minima@hotmail.it
www.mariotosto.it
3393241875
fax: 065091574

Deep - Il Profondo osservato attraverso il Movimento

2012-01-18T05:34:00.000-08:00

Giovedì 16 Febbraio, a Torino, presso lo Zero Cafè in Via Vanchiglia 0, angolo piazza Vittorio, alle ore 19.00 si terrà la personale Deep il Profondo osservato attraverso il Movimento di Adami Gabriele (Visual arts & Photographer)

Le opere di Adami non sono fotografie, ma visioni che attraverso una particolare tecnica di scatto in movimento cerca l' essenza,il profondo della materia.

Esplorazioni dell'essenza delle cose, al di là dell'apparenza, che rompono il velo di Maya che avvolge il nostro sguardo.

Women in black

2012-01-17T05:53:00.000-08:00

Il secondo evento di fotografia dell' HulaHoop Club parte il 27/01/2012

Come sempre tutti in via L.F.De Magistris 91/93 - Roma alle 19.30 con in compagnia degli scatti di Simona Manzone alias Blas.phgrafik e M.antonietta Cardea alias Mary Rouge

La serata si animerà con un duo di danza “Alter-Ego” è estratto dalla performance la danza “ Guaranì” nata dalla collaborazione tra le danzatrici Irene Giorgi e Marta Mearelli.

Un passo a due femminile danzato sulle toccanti note del notturno di Chopin in netto contrasto con lo stile contemporaneo di Women in black

Due donne, due mondi. Ed anche più.

L'universo scenografico che ci mostrano Mary Rouge e Blas.phgrafik è popolato da altre donne, altre anime che si muovono sulla superificie delle cose. Seppur entrambe colgano il dato reale, questo viene mutato senza incertezze dall'innata volontà di scavare nelle zone più oscure e più fragili del desiderio umano. L'apparenza e la nudità, allora, si offrono ai nostri occhi senza preoccupata distinzione: esseri garbati paiono danzare su un piano parallelo che s'allontana dalla realtà tangibile, a metà tra l'irreale ed il fantastico.

In Mary Rouge gli elementi naturali trasfigurano e giocano la loro presenza su gamme coloristiche brillanti e sature, gli oggetti divengono ambienti avvolgenti. L'erotismo è un contenitore spaziale, il respiro vitale delle donne che vogliono di mostrare il proprio corpo nell'imperfezione di una calza a rete strappata e di un trucco retrò. Se la femminilità è donna, questa non si limita a risiedere esclusivamente in essa ma abita il sesso opposto con la grazia efebica e suadente della pura innocenza. Gli scatti di Mary Rouge posseggono una sottile musicalità in cui il sensuale è ciò che parte dalla mente per giungere ai tacchi, simbolo di sudata ma ineludibile scomodità di vita e di piacere.

Blas.phgrafik è equilibrata compostezza libera da rigidità accademiche e da regole razionali. L'artista fa capolino dall'esperienza di più vite, ne estrapola il tacito spessore e lo intreccia, lo sovrappone. Il limite temporale è abbattutto: non vi è appartenenza specifica e nè potrebbe essere, se ciò che viene bloccato in un momento è la contemporanea fluidità dell'inconscio. Per questo le sue opere sono pregne di quel sapore antico dell'esistenza, frammenti di vite collettive esibite senza vergogna a testimonianza di una schizofrenica indagine che fonde corpo e mente, universali traghettatori sani di emozioni.

Camilla Cossu

Intervista a Pizzigoni

2012-01-17T05:43:00.000-08:00

Su Quaz Art, intervista all'artista Pizzigoni

La Nuova Pittura

2012-01-16T05:50:00.000-08:00

a Nuova Pittura

Dal 14 febbraio al 28 febbraio 2012
Spazio Espositivo di Cascina Roma – San Donato Milanese

inaugurazione con aperitivo sabato 18 febbraio alle h 17.30
Presenzierà l’artista

La Mostra resterà aperta al pubblico
Dal 14 febbraio al 28 febbraio 2012
lun. / sab. 9.30-12.30 / 14.30-18.30
dom.10.30-12.30 / 16.30 -19
CASCINA ROMA - PIAZZA DELLE ARTI - SAN DONATO MILANESE.

per info tel. 0255603159

http://lanuovapittura.blogspot.com
lanuovapittura@gmail.com

Allo Spazio Espositivo di Cascina Roma - San Donato Mil.se - si inaugura sabato 18 febbraio 2012 alle h. 17.30 la Mostra Personale di Antonella Sassanelli - La Nuova Pittura.

L’elemento predominante nei lavori di Antonella Sassanelli è la narrazione: la stessa che nell’era del postmoderno appare precaria, fragile e fluttuante, è il filo conduttore che accompagna immagini realizzate al di là di ogni condizionamento. Sassanelli ha messo a punto una sua particolare poetica realizzando cicli di opere con tecniche digitali che sfociano in realizzazioni puramente pittoriche. L’interpretazione del lavoro di questa artista si evince dalla lettura della genesi delle sue opere: partendo dalla scrittura, attraverso una sintesi ricercata con misurata sottrazione, raggiunge l’essenza descrittiva tramite figurazioni. Il mezzo è minuzioso e assolutamente rigoroso, il risultato sfocia in una scarnificazione che rivela una solida, affascinante nuova struttura narrativa. I particolari delle immagini con il procedimento grafico, si trasformano in una modulazione metaforica scandendo nuovi piani-struttura che si susseguono a segmentare la forma. Un lavoro, il suo, che al di là del procedimento tecnologico, utilizza il lessico e la destinazione della pittura-pittura, una “Nuova Pittura”: la pennellata e la tela che si mostrano nella loro concretezza segnica e materica, diventano l'estensione di un' identità da mutevole a rivoluzionaria. (Dalla redazione di Sckeda Metropolitana)

L'artista nata a Modena e di formazione milanese, negli anni ’80 studia recitazione, mimo e danza jazz al Centro Studi Coreografici San Calimero di Milano. Negli anni ’90 si concentra solo sulla scrittura: un romanzo, poesie e racconti. Pubblica su riviste web e i lavori sia di prosa che di poesia vengono recitati in teatro e in reading pubblici. E' nel nuovo millennio che unisce immagini alle scritture, spazia dalle tecniche digitali alla pittura tradizionale, partecipando con i suoi lavori a mostre personali e manifestazioni collettive.

La Mostra resterà aperta al pubblico dal 14 al 28 febbraio 2012 dal lunedì al sabato con orario 9.30-12.30 / 14.30-18.30 e la domenica h. 10.30-12.30 / 16.30 -19 presso lo Spazio Espositivo di Cascina Roma in Piazza delle Arti a San Donato milanese.

Ingresso libero

Inaugurazione con aperitivo domenica 18 febbraio 2012 h. 17.30

Presenzierà l’artista

WORKSHOP FOTOGRAFICO CARNEVALE A VILLA OLMO (CO)

2012-01-16T05:22:00.000-08:00

Le maschere veneziane sono sempre state un soggetto molto gradito ai fotografi, sia appassionati che professionisti. In occasione quindi del Carnevale 2012, il fotografo Fabrizio Capsoni organizza un Workshop fotografico a Como nella splendida cornice di Villa Olmo.

Marco Di Lauro, noto creativo comasco di maschere, metterà a disposizione 4/5 figuranti che indosseranno alcune delle sue più belle creazioni.

Fabrizio Capsoni, artista-fotografo, ha esibito in diverse mostre personali la sua collezione “Miss Carnival” con ottimi riscontri di pubblico e stampa; mette quindi a disposizione dei partecipanti la sua esperienza affinchè possano ottenere i migliori risultati dallo scatto fotografico a questi soggetti.

Programma:

h.10:00 - ritrovo presso il Ristorante Villa Olmo (all’interno del parco della Villa)
h.10:30 – verifica dell’attrezzatura e prime indicazioni tecniche
h.11:00 – inizio delle riprese fotografiche assistite (in esterni)
h.13:00 – pranzo e verifica dei primi scatti
h.14:30 – seconda sessione fotografica di perfezionamento (anche all’interno di Villa Olmo)
h.16:30 – verifica, discussione e valutazione degli scatti
h.18:30 – fine del workshop

Numero massimo di partecipanti ammessi: n.20
Quota di partecipazione: eu.80 + iva

La quota comprende: il noleggio delle maschere, il contributo ai figuranti, lo spazio didattico, l’uso dei saloni di Villa Olmo, il pranzo completo nel prestigioso ristorante.

Prenotazione obbligatoria con versamento 50% quota.

Attrezzatura fotografica consigliata: Reflex e obiettivi con focali 24/70 e 70/200, flash. Sono ammesse anche altre focali ed anche fotocamere compatte di tipo Bridge con zoom ottico.

Altri dettagli sulla mia Pagina Facebook: http://www.facebook.com/CAPSONI
Per informazioni e iscrizioni scrivere a info@capsoni.it con oggetto: Workshop Carnevale

Francesco Mai a Varsavia

2012-01-15T05:59:00.000-08:00

Sbarca per la prima volta in Polonia l’arte digitale 3D di Francesco Mai.

Dopo gli avvenimenti di New York,Canada,Australia,Cina,Germania, Spagna e Colombia la mostra

“Alien Digital Sculptures:oltre gli orizzonti della creatività”

apre i battenti presso l’Istituto Italiano di Cultura a Varsavia situato in
ul. Marszałkowska 72 00-545 Varsavia
tel 0048.22.628.06.10/18 fax 0048.22.628.1068

L’artista sarà presente all’inaugurazione di martedì 17 gennaio 2012 e i giorni successivi.

La mostra prosegue fino al 9 marzo.

Arte Industriale

2012-01-13T06:15:00.000-08:00

Quaz Art, poche settimane fa, ha realizzato una piccola inchiesta su un laboratorio che riproduce in scala manifatturiera opere di altri artisti.

L'idea era quella di documentare ciò che poteva apparire una curiosità... Ma con il passare del tempo abbiamo scoperto come il fenomeno sia più diffuso di quanto ci potessimo aspettare

Silvia Boldrini, ad esempio, ci ha evidenziato quello che accade in Cina,

L'artista Mia de Schur ha raccontato la sua esperienza... Quando viveva a Boston, Massachusetts, in una via non troppo lontano dalla Harvard University, ha visto laboratori simili a quelli descritti a Roma...

Di fatto è una realtà globale...

Alberto Biasi

2012-01-13T05:48:00.001-08:00

Dopo la personale su Antonio CALDERARA, la Fondazione Zappettini, nella propria rinno-vata sede di Milano, apre le porte a un altro maestro dell’astrazione italiana, Alberto BIASI. La personale dedicata all’artista padovano, attivo sulla scena nazionale e internazionale da oltre cinquant’anni, si inaugurerà mercoledì 18 gennaio 2012 (ore 17.30) a Milano, nello spazio di via Nerino 3.

La mostra, curata da Alberto RIGONI e visitabile fino al 16 marzo, offrirà al pubblico una campionatura dei principali periodi dell’attività di BIASI: dalle “torsioni” ai “rilievi ottico percettivi” fino agli “assemblaggi”. Una decina di opere selezionate proporranno al visitatore una carrellata esauriente sull’arte di uno sperimentatore raffinato e di un vivace innovatore.

Come spiega nella prefazione Riccardo ZELATORE, Direttore della Fondazione, «BIASI ha attraversato da protagonista gli ultimi cinquant’anni della storia dell’arte italiana: membro attivo di alcuni dei più interessanti gruppi del secondo Novecento, dal Gruppo N alla Nuova Tendenza all’Arte Programmata, il suo lavoro si dipana su un duplice binario di coerenza e sperimentazione e ne ha reso la firma riconoscibile e originale».

La mostra sarà visitabile fino al 16 marzo ed è accompagnata da un catalogo a colori con un testo di Alberto RIGONI

Non c’è Myra senza Vidal

2012-01-12T05:37:00.000-08:00

Il 13 gennaio alle ore 19 la galleria Whitecubealpigneto, nell’ambito del progetto Myra/on Trasformazioni, presenta al pubblico la mostra dell’artista performer Francesco Impellizzeri dal titolo “Non c’è Myra senza Vidal”, a cura di Geoffrey Di Giacomo.

Uno spot pubblicitario degli anni '60 riprende vitalità come ludico pretesto per lanciare una serie di messaggi in cui un binario semantico attraversa la comunicazione: da una parte si rompono schemi e dall’altra si cerca di affermarli.

Impellizzeri, protagonista della performance dagli anni '90, ci mostra con ironia il suo punto di vista critico sugli aspetti della sessualità che negli anni delle grandi contestazioni aveva vissuto un periodo di “liberazione” dai vecchi pregiudizi morali.

Gore Vidal nel romanzo Myra Breckinridge, inoltre, profetizzò il ruolo dominante che la tv commerciale avrebbe assunto a scapito del grande cinema di Hollywood; l’artista presenta un’avvincente opera video sulla base di una réclame che sottolinea proprio l’intuizione dello scrittore americano, con l’aggiunta di una dialettica e sensibilità artistica anticonformista che lo ha sempre contraddistinto nelle sue numerose esposizioni.

FRANCESCO IMPELLIZZERI
“Non c’è Myra senza Vidal”
Myra/on Trasformazioni
Omaggio a Gore Vidal
13 gennaio 2012 - 29 febbraio 2012

inaugurazione 13 gennaio 2012 ore 19.00 Whitecubealpigneto gallery
Via Braccio da Montone 93 roma

3342906204

lastellina05@gmail.com

www.whitecubealpigneto.com

Sentiments

2012-01-12T05:24:00.000-08:00

n una vita sempre più frenetica e veloce, gli oggetti e le immagini del nostro tempo ci comunicano solo fugaci emozioni e spesso ci passano davanti senza lasciare alcuna traccia. Dobbiamo allora andare alla ricerca di un movimento di energia più forte, risvegliare i nostri stati d’animo, riscoprire i SENTIMENTS. San Tommaso d'Aquino, nella sua Somma Theologica, ammette undici SENTIMENTS: amore, odio, desiderio, avversione, gioia o diletto, dolore o tristezza, speranza, disperazione, paura, audacia, ira.

Le opere di pittura, scultura e culture digitali, in esposizione dal 28 gennaio al 5 febbraio 2012 presso gli spazi della Stazione Leopolda di Pisa, saranno l’esemplificazione di questo elenco nato dal pensiero del grande teologo.

La mostra, curata da Nicola Domenici e Maurizio Marco Tozzi, vede la partecipazione di 32 artisti provenienti da Italia, Austria, Francia, Germania, Giappone, Svizzera e Taiwan, legati appunto da questo grande filo conduttore. Special guest della manifestazione Alessandro Amaducci che presenterà per la prima volta per intero la sua “Electric Self Anthology”, i cui episodi sono stati esposti in tutto il mondo: “Electric Self Anthology è una serie di video, tutti commentati da brani musicali realizzati da me – spiega Amaducci - che stanno formando un’antologia dall’omonimo titolo. Il titolo indica la volontà di entrare in maniera diretta dentro una sorta di inconscio elettronico, di caverna di ombre contaminate dalle nuove tecnologie, dove vivono o riemergono fantasmi di immagini, forme archetipiche, ma anche “insospettabili” clichè del mondo di Internet, personaggi stereotipati, modelli, figure che galleggiano nel mare della Rete e che noi cerchiamo e scarichiamo sul nostro computer senza sapere il più delle volte il perché. L’ingresso nel mondo dell’inconscio elettronico è un viaggio oscuro, denso di ferite, dove si incontrano personaggi femminili, corpi che incarnano in qualche modo alcuni temi che ossessivamente si rincorrono, come la vita , la morte, il desiderio, il voyeurismo, la trasformazione del mondo in spettacolo, e l’inossidabile potenza fascinatoria della forma umana, del corpo inteso come luogo esoterico, come spazio simbolico . Entrare nell’inconscio elettronico significa anche ri-scoprire la propria ombra infantile, quel momento in cui la dimensione della morte e della vita sono confuse, e con le quali si può giocare anche in maniera crudele, in cui la bellezza e la mostruosità possono convivere, dove la paura è necessaria perché foriera di emozioni. Nell’inconscio tecnologico si danza sempre volentieri con la Morte”.

Saranno inoltre organizzati appuntamenti collaterali di musica, teatro ed una serie di conferenze sull’arte contemporanea, ecco il calendario:

CONFERENZE

Lunedì 30 gennaio ore 15: “L’arte nel mondo virtuale”, relatore Rosanna Galvani fondatrice del Museo del Metaverso nelle piattaforme Second Life ed Open Sim.

Mercoledì 1 febbraio ore 15: “La fruizione a distanza dell’opera d’arte”, relatore Maurizio Marco Tozzi, laureato in Net Art e Culture Digitali.

Venerdì 3 febbraio ore 15: “L’arte come fenomeno di opposizione”, relatori Marco Cirillo Pedri e Marco Mirko Nani, ideatori del progetto “Pimp My Mary” contro la commercializzazione delle icone religiose.

SPETTACOLI

Sabato 28 gennaio ore 18: il Gruppo Oracle, composto da Carlo Palagi (guitar), Riccardo Puccetti (drums), Giuliano Passaglia (Sax), si esibirà in una performance etno jazz.

Venerdì 3 febbraio ore 21: “Muori amore mio!” commedia di Aldo De Benedetti.

Sabato 4 febbraio ore 21: Davide Barbafiera ed i suoi “Paesaggi Elettronici”, performance di musica elettronica

Sabato 4 febbraio ore 21: Performance di Body Painting di Matteo Arfanotti.

Domenica 5 febbraio ore 21: La compagnia teatrale Gattobardo presenta "L'Importanza di chiamarsi Ernest" di Oscar Wilde

ELENCO ARTISTI SENTIMENTS 2012

Giovanna Ambrogi
Matteo Arfanotti
Paolo Bacci
David Bertolaso
Cristian Biasci
Marta Buggiani
Marta Cadonici
Stefano Corsini
Federico Cosci
Rossano Di Cicco Morra
Sandra Di Marcantonio
Sabina Feroci
Shozo Koike
Fabrizio Lavagna
Libero Maggini
Giuseppe Malfattore
Daniela Marchetti
Francesco Minniti
Sibylla Pasche
Marco Pavani
Vanda Pianini
Manfred Reinhart
Martin Rille
Cinzia Rossi Ghion
Marika Sartori
Maurizio Sassi
Sandra Stanzione Landi
Edoardo Stramacchia
Salvatore Torretti
Carlo Trevisan
Yueh Bing Wen

Potpourri Oscar Collection N.1

2012-01-11T05:33:00.000-08:00

Nuova iniziativa della rivista Potpourri, partner di Quaz Art

Una raccolta tematica delle migliori pubblicazioni

In questo numero:

Editoriali e aforismi su arte e cultura, e illustrazioni di Loredana Grasso, Gianluca Costantini, Stefania Artusi, Conrad Roset, Fare Ala,Vira Lata, e Joe Sorren.

Qui per sfogliarlo on line

SHEPARD FAIREY «120!» - retrospettiva

2012-01-11T05:21:00.001-08:00

Una mostra evento per ripercorrere dieci anni nella carriera del più celebre street artist del mondo

Si chiama Shepard Fairey, ma è diventato celebre in tutto il mondo con il nome-slogan di OBEY. Dopo aver contribuito in maniera determinante alla campagna elettorale del presidente statunitense Obama, il suo stile è diventato oggetto del desiderio per gli appassionati d'arte sparsi in tutti i continenti e intorno al suo lavoro serigrafico, incentrato sui temi della critica sociale o dedicato a personaggi di assoluta rilevanza della cultura popolare, si è creato un vero e proprio culto.

In Italia, il merito di aver organizzato la prima grande mostra di Shepard Fairey è di Mondo Bizzarro Gallery, che dopo la personale tributata allo street artist americano nel 2011, replica proponendo una retrospettiva che, tra opere in tiratura limitata e pezzi unici, conterà oltre 120 pezzi firmati da Obey, coprendo un arco temporale compreso tra il 2000 e i nostri giorni. Una mostra-spettacolo di grande attrattiva, imperdibile per chiunque desideri accostarsi da vicino ai capolavori di un artista ultra-contemporaneo come Shepard Fairey sposandone genio creativo e sensibilità.

Titolo della mostra: SHEPARD FAIREY «120!» - retrospettiva

A cura di: Cristiano Armati e Dario Morgante

Inaugurazione: sabato 14 gennaio 2012, ore 18.30

Periodo: 14 gennaio 2012 - 11 febbraio 2012

Orari: dal lunedì al sabato 12.00 - 20.00

domenica 16.00-20.00

Sede: Mondo Bizzarro Gallery, via Reggio Emilia 32 c/d

Tel. 06-44247451 info@mondobizzarrogallery.com

www.about.me/mondobizzarrogallery

www.mondobizzarrogallery.com

Considerazioni semiserie

2012-01-10T05:53:00.000-08:00

Su Quaz Art, considerazioni ironiche sulla globalizzazione culturale

Giancarlo Cardini: la musica, il novecento

2012-01-10T05:45:00.000-08:00

Venerdì13 gennaio, ore 17.30

Saleespositive del Centro Pecci/mostra di Nicola De Maria

Centroper l'arte contemporanea Luigi Pecci, Prato

ingressolibero

Presentazionedel libro

Giancarlo Cardini: la musica,il novecento

Paolo Carradori a colloquio conuno dei principali musicisti contemporanei italiani

Marco Del Bucchia editore

Saranno presenti: GiancarloCardini, Paolo Carradori, Renzo Cresti e Marco Bazzini

IlCentro Pecci presenta il 13 gennaio alle 17.30 il libro di Paolo Carradori suuno dei principali musicisti contemporanei italiani: Giancarlo Cardini.

Lapresentazione avrà luogo nella sala centrale della mostra di Nicola De Maria,che nella musica trova uno dei suoi temi più forti.

Giancarlo Cardini non è solo quel raffinato e intelligentepianista a cui la musica contemporanea italiana deve superbe esecuzioni ma èanche un musicista pensante, uomo di cultura e operatore musicale, caso raro.Queste pagine dimostrano i suoi variegati interessi culturali; è unamolteplicità che parte da un assunto molto esplicito, ossia che negli ultimidecenni la relazione fra le varie forme, generi e stili musicali abbia superatosteccati rigidi e che i vari fatti e atti della musica si siano sempre piúintrecciati, non solo nei loro aspetti tecnici ma anche e soprattutto in quelliespressivi

(l'incipit del saggio di Renzo Cresti).

Giancarlo Cardini: la musica, il novecento

Paolo Carradori a colloquio con uno deiprincipali musicisti contemporanei italiani

Nota di SylvanoBussotti.

Saggi di RenzoCresti e Mario Gamba

Appendicefotografica- cd musicale.

Marco Del Bucchiaeditore - pp. 156

Matteo Alvazzi Delfrate - "L'inatteso del quotidiano"

2012-01-10T05:40:00.000-08:00

"da Luca e Andrea”

alzaia Naviglio Grande 34, Milano

Ingresso libero

Orari : tutti i giorni dalle 7 antimeridiane alle 2,anch’esse antimeridiane. Chiuso il lunedì mattina.

Vernissage : martedì 24 gennaio 2012, dalle 18.30 fino a tarda sera

Durata mostra : da mercoledì 11 gennaio 2012 alunedì 20 febbraio 2012

Autore : Matteo Alvazzi Delfrate

Curatore : Fabrizio Gilardi di Action Art

Genere : Arte contemporanea,fotografia, personale

Email : fabgilgoin@tiscali.it

Web : www.actionart.jimdo.com

L’inatteso del quotidiano

Matteo Alvazzi è sicuramente uno spirito inquieto,sempre alla ricerca di nuovi stimoli come è in genere un artista che si possadefinire tale; egli ha infatti toccato vari approdi dell’attività umana, dallamusica suonando il pianoforte, alle attività commerciali portate avanti con uncerto successo, fino alla fotografia nata dal suo gusto del girovagare a piediper le città. Da questo suo gesto tanto scontato del camminare, anche se poinella contemporaneità tanto quotidiano non è, prendono vita i suoi scattifotografici e qui si puo’ suggerire un parallelo tra la caratteristica dellesue immagini che colgono situazioni in qualche misura sorprendenti che accadonodurante il consueto scorrere della quotidianità, e il sorgere di qualcosaconnotato in modo fortemente soggettivo, come è l’attività di un fotografo,dalla gioia semplice del camminare.

La forza delle immagini di Alvazzi è proprio quelladi proporci il momento che è si prosaico, forse persino banale, ma che al tempostesso ci appare ai confini del surrealismo e ci ricorda così la singolaritàintrinseca in ogni istante.

Le singolarità sono, in fin dei conti, lanormalità, cosa che si potrebbe mettere in relazione con l’affermazione, sempresottovalutata, che non vi è niente di più definitivo del provvisorio.
Visti tutti insieme questi istanti insolitirappresentati nelle fotografie di Matteo Alvazzi, ci pongono anche dei quesitisulla possibile contemporaneità, se pur teorica dato che il nostro non possiedeil dono dell’ubiquità, di quanto ritratto; e senza voler scomodare i grandifilosofi che su questo hanno ragionato da un bel po’ di tempo, ci chiediamo seavrebbe comunque senso parlare di contemporaneità visto che ogni istante è cosìfortemente connotato da essere assolutamente unico e da diventare quindi cosìimportante per chi in qualche modo lo vive.

Matteo Alvazzi ama però anche la rigorositàgeometrica e il rispetto di canoni compositivi classici come si nota anche dalfrequente inserimento di elementi geometrici, siano essi particolariarchitettonici, di arredo urbano o anche ombre, e proprio dall’equilibrio cheegli riesce a trasmettere tra questi aspetti e quelli che si rifannomaggiormente al suo istinto di esploratore inquieto, si estrinsecano le maggioripotenzialità della sua opera.

( Testo di Fabrizio Gilardi )

Matteo Alvazzi Delfrate è nato a Milano nel 1978 evive tra Milano e Londra. Di se dice : “Ho iniziato a fotografare nel 2008, maavrei potuto iniziare all’età di 10 anni…penso che ogni cosa avrebbe potutoessere diversa”. Lavora con strumenti analogici e solo in alcuni casi effettuainterventi “vecchia maniera” in sede di stampa ma mai con programmi alcomputer.

La sua macchina fotografica preferita per le foto“en plein air” è la piccola Leica M6 utilizzata con obiettivo Leica F2 35 mmnoto come Dentone, mentre in studio preferisce usare una Nikon D700. Fotografaper solito con pellicola Kodak Tri-X ma ci ha confessato di voler ancoraprovare molti tipi di pellicola.

Il Linguaggio del Corpo

2012-01-09T05:37:00.000-08:00

Corpo, ludibrio grigio
con le tue scarlatte voglie,
fino a quando mi imprigionerai?
anima circonflessa,
circonfusa e incapace,
anima circoncisa,
che fai distesa nel corpo?

[Alda Merini ]

Sono, questi, versi scritti da una donna nel cui corpo abitava il fuoco della genialità, quell’impronunciabile sensibilità che riesce a fare di un individuo, un artista. Sono, questi, versi scritti nel periodo di internamento in manicomio, un luogo in cui il corpo - blindato, ingabbiato, controllato, violato - veniva spietatamente svuotato della propria identità, e perdeva dunque ogni possibilità di “parlare” il proprio linguaggio.

Perché il linguaggio del corpo, in realtà, non è che anima parlata dalla carne. Dai muscoli, dai tendini, dalle ossa, dagli sguardi…

Per la Merini invece, laddove il corpo veniva azzerato, l’identità spirituale resisteva, parlando il rivoluzionario silenzio della poesia.

Ecco, dunque, dove accade l’alchimia: su quella striscia franca, linea di confine tra il tangibile e l’imprendibile, tra la materia e lo spirito, tra il corpo e l’anima. E il tangibile diventa espressione dell’imprendibile, soltanto quando il corpo si fa manifestazione dell’anima. Quando il corpo, su quella linea di confine, incontra l’anima, e attraverso il suo linguaggio riesce ad esprimerla.

Il corpo parla, tace e racconta.
Il corpo si annoda, si snoda e si ribella.
Prende la forma delle emozioni.
Il corpo dice. Il corpo smaschera.
Il corpo provoca, il corpo agisce.
Il corpo grida, il corpo ferisce.
Il corpo dà corpo alla verità.
.
L’individualismo che segna buona parte dell’arte post-moderna, fa del corpo soggetto e oggetto dell’espressione artistica.

In epoca post-bellica, il corpo diventa protagonista dell’arte, impregnando di un nuovo soggettivismo tutte le forme dell’umana creatività, dalle quelle più tradizionali a quelle sperimentali, dalla pittura di Dubuffet alla scultura di Giacometti, per giungere poi agli happenig, alle performance e alla conceptual art.

La Body Art soprattutto, porta il corpo e il suo linguaggio al centro dell’espressione artistica: pensiamo a Gina Pane che usa e abusa del proprio corpo, lo ferisce per liberarlo da un dolore altro, indicibile e inesprimibile, un dolore profondo che solo il linguaggio estremo di un corpo ferito può parlare. E pensiamo invece ad Orlan che si sottopone a continui interventi di chirurgia plastica-estetica per lasciare che il proprio corpo, trasformandosi ogni volta in qualcosa di diverso, racconti della sua continua ricerca di una eterna e classica bellezza.

Momenti estremi dell’arte contemporanea, dove l’artista si è fatto oggetto della proprie sperimentazioni, e ha trasformato il proprio corpo in vero e proprio materiale espressivo.

Ma la forza ineguagliabile dell’espressività corporea resiste, e insiste ancora oggi in quelle forme d’arte che hanno ormai trasceso il tempo: la pittura e il disegno.
Il corpo, ciò che siamo, ciò che ci porta nel mondo, ciò che racconta di noi e ci trasforma in un dono per l’altro, è il fulcro intorno al quale ruota la nuova mostra organizzata presso la Galleria Atena di Como.

Il corpo, anatomia dell’anima, è stato campo d’indagine per ben 62 artisti selezionati per questo evento:

Alessandro Giordani
Annamaria Panarace
Chiara Smirne
Michele Ciardulli
Davide Arisi
Davide Ferraris
Francesca Donadio
Fabrizio Azzali
Emanuela Furlan
Giacomo Oneto
Ilaria Parente
Irma Lanza
Rino Belviso
Marcello Manca
Alessandra Marinoni
Alessandro Filardo
Stefano Bosis
Cinzia Munari
Salvatore Chessari
Constantin Migliorini
Antonio Conte
Dorella Dignola
Fabio Weik
Marianna Mariotti
Silvia Berto
Eliana Prosperi
Mario Battimiello
Paola Ghedini
Angelo Scardino
Volchitza Franz
Sonia Ceccotti
Giovanna Lacedra
Michela Riba
Adriano Minora
Donatella Ciani
Stefania Latina
Alice Cironda
Meri Tancredi
Imerio Rovelli
Maurizio Cesarini
Emiliano Zucchini
Palma Mona
Elena Galimberti
Michela Mombelli
Joshua Sottile
Grazia Seregni
Tonino Cimino
Elisa Scaramuzzino
Luca Dalmazio
Luca La Marca
Marco Bonfitto
Pina Chiarandà
Martina Codispoti
Maestro Lucis Luca Zampini
Marina Ambrosetti
Roberto Fanari
Umberto Vaschetto
Marla Lombardo
Mario Gambatesa
Annalisa Lenzi
Francesco Scapolatempore
Rosa Guglielmi
Daniela Dente

In un confronto di percezioni e sensibilità questi artisti raccontano, attraverso il loro gesto creativo, l’espressività corporea, il linguaggio del corpo.

“Il linguaggio del corpo” – mostra collettiva di arte contemporanea, a cura di Slvia Ceffa,
dal 15 al 29 gennaio 2012 – presso la Galleria Atena, via Lungo Lario Trieste 42, sul lungolago di Como.

Grazie all’impegno di CasaeArredamento.it in collaborazione con Studio Webego e con il contributo di Webarte Milano per la promozione dell’Arte Contemporanea.

Vernissage domenica 15 gennaio, ore 11.30 incontro degli artisti, ore 14.30 apertura al pubblico.

Per info:
info@casaearredamento.it
www.facebook.com/casaarredamento
www.casaearredamento.it

Svestiti di Carne

2012-01-09T05:14:00.000-08:00

Roma Capitale Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico, le Biblioteche di Roma, Biblioteca Gianni Rodari presentano la personale di Antonello Morsillo:

SVESTITI DI CARNE I MARTIRI DEL PENSIERO

Svestiti di carne, il titolo di questa personale, omaggia filosofi, scrittori, scienziati, attivisti, liberi pensatori smembrati nel loro corpo da altrettanti uomini che avrebbero voluto cancellarne le tracce! E’ come se i loro corpi fossero stati svestiti di quegli abiti che li hanno connotati perché emblema di una minaccia; senza le vesti dell’indifferenza e dell’omertà diventano come vesti logore da dismettere.

Nel corso dei secoli si è assistito a veri e propri massacri: da Ipazia letteralmente fatta a pezzi da parte a parte da una folla di cristiani, qui rappresentata incinta quale madre della scienza, a Pier Paolo Pasolini, massacrato da un “ragazzo di vita” in concorso con ignoti, prospetticamente dipinto con le braccia aperte a simulare un volo dalla sua “crocifissione”. Da Giordano Bruno che nella tela è senza la bocca, ma con insenature che sembrano ridargli il verbo, a Sophie Scholl raffigurata con una rosa bianca in bocca irta di filo spinato! Senza dimenticare, fra gli altri, Garcia Lorca, Matthew Shepard, Gandhi.Il loro sacrificio finale assume ad anni di distanza valenze simboliche dai più ampi connotati e permette riflessioni profonde.

Antonello Morsillo affermato visual artist, sue le copertine per artisti quali Patty Pravo, Milva, Scialpi, Luigi Tenco ed opere su Renato Zero e Daria Nicolodi si è fatto conoscere soprattutto per la collaborazione con la Rettore Nel 2006 la omaggia con la personale Immaginata e la cantautrice sceglierà opere come Lupi e Nota bestiale per le copertine dei suoi dischi.

Nel 2008 arriva il riconoscimento della SonyBmg, a tutt’oggi, unico in Italia in ambito discografico ad un illustratore: Galleria Stralunata il video-catalogo realizzato con le opere della mostra.
La mostra che segue, Cinemorfismi le maschere della follia sul grande schermo, raccoglie molti consensi e per tre anni e dieci esposizioni percorre la penisola.

Nel 2009 partecipa ad una collettiva a New York e crea l’agenzia di siti web Art web agency.

Le opere di Morsillo, definite sur-realistiche perché fondono la base figurativa classica a scenari surreali che la destrutturano, nascono dal disegno a mano libera ed ultimate sulla tela con pigmenti ed acrilici.
Le particolari fessure, ispirate alle “macchie” di Rorschach, piccoli squarci che si stagliano dall’immagine rappresentata e la “perforano” di profondità suggellano la sua identità artistica.

L’autore sarà presente mercoledì 11 gennaio, alle ore 17.30

Per tutta la durata dell’iniziativa l’autore svolgerà visite guidate alle scuole con la proiezione del video Ipazia il suo volto nei libri e per il 27 gennaio, giorno della memoria, presenterà il film La Rosa bianca di Marc Rothemund in ricordo di Rosa Scholl.

Introduce Piera Costantino Responsabile Biblioteca Gianni Rodari.

All’evento è legato il gioco “Chi l’ha detto?”. Libri e film in omaggio ai primi dieci vincitori.

www.antonellomorsillo.eu

Partners
Art Web Agency
www.artwebagency.com

Info 0645460571
giannirodari@bibliotechediroma.it

Orari di visita della mostra:
dal lunedì al venerdì: 09.00/19.00
sabato: 09.00/13.30
Domenica chiuso
Info: Tel. 06 45460571

ingresso libero

D'istanti

2012-01-09T04:57:00.000-08:00

Presso la Fabbri Contemporary Art, Via Stoppani 15/C - 20129 Milano,mercoledì 11 gennaio alle ore 18.30 si inaugura la mostra di Grazia Varisco e di Aurelio Sartorio, artisti milanesi di differenti generazioni che per la prima volta propongono i loro lavori accostati in una sorta di dialogo teso a mostrare due distinte storie nelle quali sono però rintracciabili alcuni tratti che li accomunano e li legano.

Lei attiva dalla fine degli anni Cinquanta, lui dalla metà del Novanta; lei membro del Gruppo T ha partecipato alle mostre Miriorama e a quelle internazionali di arte programmata e cinetica per poi proseguire il suo percorso in modo individuale, lui pittore; entrambi stimolati, interessati ed attratti dalla questione del vedere e dagli infiniti istanti nei quali questa azione ha luogo.

Dance Me to the End of Love

2012-01-08T11:02:00.001-08:00

Venerdì 27 Gennaio 2012 ore 17 si inaugura la mostra Dance Me to the End of Love di auroraMeccanica a cura di Simona Gavioli presso SpazioBlue, via Gandino 3, Bologna.

“Par l'art seulement nous pouvons sortir de nous, savoir ce que voit un autre de cet univers qui n'est pas le même que le nôtre, et dont les paysages nous seraient restés aussi inconnus que ceux qu'il peut y avoir dans la lune. Grâce à l'art, au lieu de voir un seul monde, le nôtre, nous le voyons se multiplier, et, autant qu'il y a d'artistes originaux, autant nous avons de mondes à notre disposition, plus différents les uns des autres que ceux qui roulent dans l'infini et, bien des siècles après qu'est éteint le foyer dont il émanait, qu'il s'appelât Rembrandt ou Vermeer, nous envoient encore leur rayon spécial.”

PROUST, Le Temps retrouvé, 1922

"Dance Me to the End of Love" è una canzone di Leonard Cohen del 1984. Nel testo romantico, emozionante, commovente e pieno di metafore si racconta un frammento della storia tragica e senza ritorno di un momento storico molto difficile. Gli uomini danzano speranzosi accompagnati dalla loro forza per combattere la paura, il tormento e l’attesa. Questi uomini immaginano di ballare, stretti, avvinghiati, legati da un cordone ombelicale come quello che lega l’amore di una madre per il
proprio figlio. Un amore che è quello per la vita, la famiglia, la speranza, o la propria donna.

Una danza, lenta e fiduciosa, tra le note che scandiscono l’avvicinarsi della fine. La danza ci racconta attraverso il corpo che, come ne “l’Euritmia” di Rudolph Steiner, si associa alla musica e alle parole per tradurre, con il movimento, i principi armonici delle manifestazioni universali. Nel susseguirsi dei movimenti corporei che immaginiamo mentre aguzziamo i sensi appare chiara la distinzione tra “Korper”, inteso come corpo-casa, oggetto passivo e materiale, e “Leib” corpo/energia, elemento vitale ed essenza spirituale capace di azioni, corpo vivente, energia e principio esistenziale che
permette di coglierne l’identità. “Conducimi fino alla tua bellezza con un violino ardente, conducimi attraverso il panico finchè potrò essere al sicuro, alzami come un ramo d’ulivo e diventa la colomba che mi riconduce a casa conducimi fino alla fine dell’amore”.

La danza ci culla, ci sveglia ci impone di specchiarci e tirar fuori la nostra personalità. Perché la danza è, unitamente al linguaggio del corpo, il modo più forte, diretto, efficace, ed immediato, attraverso cui l’uomo comunica. Nel testo di Dance Me to the End of Love, chi danza fino alla fine dell’amore, instaura un legame singolare tra il proprio corpo e la propria anima ne crea un rendez–vous. La danza è capace di sentire la musica e tramutare ogni singola nota in movimento corporeo. Possiede la capacità di trasmettere i propri sentimenti, parla senza voce, arriva direttamente al cuore usando un solo linguaggio; quello dei gesti,dei movimenti, quello del corpo senza remissioni. .

Re–interpretata da Madelaine Peyroux nel 2005, questa canzone, risuona calda tra le mura, la sua voce si espande e si fa spazio nella memoria per non seppellire il ricordo, per renderlo indelebile esorcizzandolo a ritmo di jazz.

Al buio di una stanza gli occhi si affaticano cercando un punto di riferimento. “La gabbia” è li con tutta la sua immobilità, il suo essere vuota e fredda e il suo essere sospesa al soffitto. Lo sguardo incredulo, le mani in avanti ci illudono che non cadremo e non verremo risucchiati dall’oscurità, il nostro occhio guarda e nel guardare rimane incredulo alla vista di un fascio di luce che proietta la nostra ombra e quella della voliera sul muro di fronte. Danzare, toccare, e spingere sono le regole del gioco che come per magia, con una spinta lieve, fa fuoriuscire leggiadri uccellini liberi.

Danza fino alla fine dell’amore e della libertà sembrano cinguettare questi ubriachi volatili che rispondono alle
stimolazioni dello spettatore. Pennuti che chiedono di essere liberati, di volare più lontano che possono, desiderano stare insieme e sbattere le ali verso l’infinito. Un’opera ludica, spiritosa, allegra e magica che nasconde, al buio di una stanza, una riflessione ben precisa, un bisogno di attenzione che va oltre l’immagine iniziale oltrepassando la soglia dello stupore preventivo. “La gabbia” cosi come “Dove stiamo andando” (opere presenti alla mostra) hanno una “drammaturgia fenomenologica”, come raccontano auroraMeccanica.

Si esordisce con un coinvolgimento dello spettatore attirato dal piacere estetico e poi si passa al gioco interattivo che affascina e colpisce emotivamente. Superato lo stupore, il fruitore si ferma all’osservazione degli altri e qui nasce il processo cognitivo che permette all’opera di crescere esponenzialmente e trasformare lo spettatore in autore e di essere parte integrante dell’opera.

La parola d’ordine di questa mostra è OSARE. Oltrepassare i limiti imposti ad un’opera d’arte, “non toccare”, immobilizzandosi di fronte ad essa. Toccala e falla danzare, fai dondolare la bambina sull’altalena o uscire gli uccellini dalla gabbia con una leggera propensione/spinta verso i tuoi desideri.

Liberati dalle regole. Infrengile per danzare fino alla fine dell’amore.

Simona Gavioli

auroraMeccanica. Gruppo artistico composto da Carlo Riccobono, Roberto Bella e Fabio Alvino, si occupa di videoinstallazioni interattive. Nel processo di elaborazione di un’opera, auroraMeccanica si interroga sul significato metaforico che un materiale tangibile possiede all’interno di una determinata cultura e società. La riflessione sull’utilizzo della materia e la sua commistione con l’immaterialità del video diventa il punto di partenza per sviluppare un’opera in grado di toccare tematiche e concetti più universali. Il risultato finale di questo processo si concretizza nella realizzazione di un’opera interattiva in cui l’intervento degli spettatori diviene fondamentale per il completamento del lavoro. La tecnologia e la materialità degli oggetti si fondono per permettere una partecipazione che diviene responsabilizzazione. I gesti e le azioni degli spettatori sull’opera sono simbolo di un approccio attivo e costruttivo nei confronti della società in cui vivono.

QOS 2011

2012-01-08T10:52:00.000-08:00

E' disponibile in libreria "QOS 2011 The spacestation file" (Palombi Editori), a cura di Carlo Prati, che inaugura la collana diretta da Luna Todaro. La pubblicazione ripercorre, con immagini, keywords e approfondimenti, i sei incontri avvenuti all'Istituto Quasar di Roma con sei esploratori oltre il contemporaneo: Stefano Converso, Francesca Fini, Giacomo Costa, Vito Campanelli, Hogre e Marco Perugini.

La ricerca nei campi creativi chiede curiosità, interesse e intelligenza del mondo, dei fenomeni e dei movimenti, ma anche occhio attento alle ricerche che si svolgono in parallelo. Richiede concentrazione nel proprio laboratorio a coltivare personali visioni per poi riaprirsi alla rete delle interconnessioni globali. L’Istituto Quasar da venticinque anni ricerca, forma generazioni di progettisti e accoglie l’opera di autori che riconosce compagni di strada.
Questo è QOS.

Nel 2011 l’Istituto Quasar ha inaugurato la prima edizione di QOS Quasar Outer Space, ciclo multidisciplinare di lectures in risposta a questa tendenza evolutiva nel lavoro, nell’arte e nella vita, che sta rendendo sempre più variabile il concetto tradizionale di professione. QOS vede protagonisti i più importanti artisti, che ne esplorano i limiti ampliandone senso e potenzialità.

Le lectures della prima edizione sono state:
- Stefano Converso parametric.architecture
- Francesca Fini video.art.bodyperformer
- Giacomo Costa metropolis.digital.art
- Vito Campanelli net.art.media.activism
- Hogre street.art
- Marco Perugini motion.graphics.comics.art

Da oggi è online la piattaforma comunicante dedicata a QOS. Il complesso ed articolato panorama di eventi targato Quasar Outer Space 2011, infatti, ha un suo spazio web ufficiale qos.istitutoquasar.com, ricco di materiali audiovisivi e testuali raccolti nel corso della prima edizione del 2011.

E' inoltre disponibile nelle librerie QOS 2011 The spacestation files (Palombi Editori), a cura di Carlo Prati, che inaugura la collana diretta da Luna Todaro, Quaderni dell’Istituto Quasar. La pubblicazione intende far rivivere il climax e ripercorrere i sei incontri del 2011 attraverso una trama dialogante di immagini, keywords e approfondimenti.

Guarda il reportage degli incontri
http://vimeo.com/30124368

2012-01-07T04:19:00.000-08:00

Su Quaz Art, racconto sponsorizzato da Wolkswagen

La Viande Rouge

2012-01-07T04:14:00.000-08:00

Il 2012 all’Hula Hoop con il progetto Togaci si riparte con un nuovo ciclo di mostre dedicate alla Fotografia .

La mostra che aprirà il calendario di Gennaio 2012 , e la personale di Maria Gabriella Cinà,che si terrà il 13 Gennaio alle 20.00 dal titolo La Viande Rouge, i scatti della Cinà sono parte di un percorso dove le muse ispiratrici sono due geniali performers, Katia Stefani in arte Madame Decadent e Chérie Roi.

Il concept della mostra e di Togaci e di Maria Gabriella Cinà il testo e di Camilla Cossu .

L a serata e avrà inizio con performance di Chérie Roi , ispiratasi dallo anonimo nome, La Viande Rouge (Carne Rossa), Chérie Roi darà una nuova rilettura sobria al mondo del nudo.

[I nudi contemporanei sono contenitori della bellezza “sottovuoto”, immagini di sensi perduti nelle anatomie frammentate che i mass-media mercificano come carne al macello.]

Interessante inizio per poter decidere cosa gli occhi vogliono ancora vedere .

La Viande Rouge

Testo di Camilla Cossu

Gabriella Cinà lavora con il corpo. Il suo lento lavoro di ricerca individuale, atto a scavare dentro il proprio Sé, culmina nell'indagine estetico-artistica che guarda all'epidermide come un terreno da scoprire. Differenti luminescenze si posano sul corpo e indagano le possibilità molteplici della sua morbidezza, lo ri-qualificano quale strumento per eccellenza di una vita che dialoga direttamente con l'arte. Il corpo accoglie e dona la vita, è esso stesso opera d'arte ed apice di una comunicazione intima ed universale, emotiva ed intensa.

Come già in "Pezzi di Vita" (2009), s'impone attraverso gli scatti un gusto per il dettaglio che offre allo sguardo l'aspetto vitale della performance, con tutto il pathos che lo caratterizza. L'atmosfera sospesa si carica di attesa e l'occhio scruta il mistero di un gesto, di un'azione volta ad una nuova scoperta. Corpo ed ambiente copartecipano la diffusa luce rossastra, un velo che accarezza le linee definite degli indelebili segni sul corpo. Disegni variegati che rimandano ad un'epoca che non c'è più, si mescolano con il contemporaneo e rivivono in esso acquisendo un valore sempre diverso, sulla pelle e nel vissuto individuale. Il limite tra soggetto ed oggetto viene abbattuto dal gesto che è fermato nell'istante preciso della sua s-definizione, come a divenire immortale ed irripetibile nella memoria di chi vi guarda dentro. Nei suoi lavori Gabriella Cinà coglie volti densi di emozioni che si susseguono, si rincorrono nella condesazione di un attimo e lascia allo spettatore la libera facoltà di sperimentare a sua volta un percorso visivo e di ricerca interiore che erge il corpo a protagonista assoluto di una nuova arte

Parvenze

2012-01-07T04:03:00.001-08:00

Martedì 10 gennaio 2012 alle ore 18,00 presso lo Studio Arte Fuori Centro di Roma, via Ercole Bombelli 22, si inaugura Parvenze doppia personale di Patrizia D’Orazio e Maria Grazia Martino a cura di Maria Vinella.

L’esposizione rimarrà aperta fino al 27 gennaio, secondo il seguente orario: dal martedì al venerdì dalle 17,00 alle 20,00

L’evento è il primo appuntamento di Spazio Aperto 2012 ciclo di quattro mostre in cui i critici invitati dall’associazione culturale Fuori Centro, tracciano i percorsi e gli obiettivi che si vanno elaborando nei multiformi ambiti delle esperienze legate alla sperimentazione.

Parvenze: ombre leggere del reale, scritture del tempo che scivola muto, timidi luoghi velati dalla memoria, ricordi pallidi di voci lontane. Forme, figure, gesti, segni, disegni per realizzare opere a parete, installazioni, morbidi arazzi, piccoli libri d’artista.

Per Patrizia D’Orazio l’arte è parvenza di una realtà impastata con la stessa materia dei sogni, delle visioni, dei miraggi. In un’atmosfera metafisicamente sospesa, gli inchiostri e gli acquerelli dell’artista realizzano un processo di progressiva dissoluzione che trasforma le figurazioni in ombre evanescenti, corpi immateriali, aloni di luce.

Per Maria Grazia Martino l’arte è parvenza di una realtà fatta di sottili trame, fili, nodi che intrecciano storie e raccontano emozioni. Le sue opere sono effimere, provvisorie, transitorie. Sono ricami di carta, intrecci di plastica, installazioni impalpabili di filo metallico, scritte su arazzi di stoffe di scarto, alfabeti tattili celati nelle pieghe di pagine in tessuti

ClipArt

2012-01-06T11:50:00.000-08:00

Rete Oro, in collaborazione con la Galleria Tondinelli di Roma, da il via alla seconda stagione di ClipART, il programma televisivo settimanale che parla di Arte e di Artisti a partire dal prossimo mese di marzo. Trasmissione che sarà trasmessa:

Ogni mercoledì alle ore 21.00 su Rete Oro-canale 18
mercoledì ore 21.00 su SKY-canale 926
giovedì ore 21.00 su Rete Oro-canale 210
Replica venerdì ore 22.45 su Rete Oro-canale 18
Streaming in contemporanea su sito web www.reteoro.tv

L’esigenza di proseguire con un programma televisivo sull’arte nasce dalla volontà di essere presenti nella cultura artistica del nostro territorio ponendo in particolar modo l’attenzione sulle realtà che esulano dai circuiti Istituzionali.

Pensiamo come negli anni l’argomento “Arte” e la presenza di Artisti delle arti figurative sia andata poco per volta scemando dal palinsesto televisivo, fino a creare un vuoto che è colmato da pochissime realtà, che vanno in onda per la maggior parte in orari notturni inoltrati e che non bastano a soddisfare le esigenze del pubblico.

In questo panorama è importante essere presenti sul territorio con un programma che possa essere una vetrina sull’arte e su il lavoro degli artisti, in un modo fresco, giovane e con un appuntamento settimanale. Ogni mercoledì saranno ospiti in galleria 2 artisti che ci racconteranno la loro storia, il loro percorso e esporranno le opere al pubblico.

Daniela Tersigni affida la conduzione della trasmissione a Floriana Tondinelli, titolare dell’omonima galleria di Via Quattro Fontane, ed esperta d’arte che condurrà la rubrica settimanalmente nelle sede della Galleria Tondinelli.

CONTEMPORANEAmente di Monica Camerota

2012-01-06T11:41:00.000-08:00

Dal 1 al 28 febbraio, presso il Castello Acciaiolo a Scandicci (Firenze) si terrà la personale CONTEMPORANEAmente della pittrice Monica Camerota.

Di seguito, la presentazione dell'evento

La guerra è padre di tutte le cose, di tutte re; e gli uni disvela come dèi e gli altri come uomini, gli uni fa schiavi gli altri liberi.

E’ uno dei tanti frammenti di Eraclito l’oscuro: una frase arcaica, poco comprensibile e soggetta ad infinite esegesi, ma che in sé racchiude uno dei fondamenti della cultura occidentale, ossia la necessità della dialettica, dello scontro per costruire la sua identità.

Confrontandosi con il nemico, con l’altro e con il diverso, l’uomo europeo ha definito la sua natura: io sono, perché diverso dall’altro, non perché simile. E ciò ha portato ad una concezione dualista del Mondo, basata sulla contrapposizione tra Cosmos, la realtà ordinata e conoscibile, immagine di come l’Uomo vorrebbe vedere sé stesso e la società in cui vive, dove tutto è razionale e prevedibile, con il Caos, ciò che è destrutturato ed ignoto, proiezione dell’Altro, immagine concretizzata delle proprie paure inconsce e capro espiatorio delle tensioni esistenziali.

L'arte contemporanea ha tentato di superare questa dialettica antagonista, risolvendola in una sintesi più ampia. Ed è questo il filo conduttore della pittura di Monica Camerota: ladimostrazione della corrispondenza tra Caos e Cosmos che non nasce dal ragionamento o dalla teoria, ma un’istintiva ed immediata comunione con l’universo.

I suoi quadri sono finestre su un magmatico universo in continua divenire, un ribollire di forme e colori, dove Caos e Cosmos sono realtà provvisorie, in equilibrio instabile. Basta un nulla per mutare l’uno nell’altro.

Un universo fremente di vita, in cui i silenzi ed i rumori dell’anima si trasfigurano in azione.

2012-01-05T11:34:00.000-08:00

Su Quaz Art, la presentazione del nuovo progetto di Ale Mr. D'Agostino

presentazione AAF

2012-01-05T11:23:00.000-08:00

GIOVEDì 12 GENNAIO 2012 presso l'appartamento LAGO, via Brera 30, Milano dalle 18:30 in poi Si terrà la conferenza stampa di presentazione di

The Affordable Art Fair Milano

La principale fiera internazionale per l'arte contemporanea al di sotto dei 5.000€ dal 2 al 5 Febbraio 2012 nel Superstudio Più di via Tortona 27

Conferenza stampa in cui saranno presentate le NOVITA', CONCORSI, COLLABORAZIONI, INCONTRI che ANIMERANNO LA SECONDA EDIZIONE DI AAF MILANO 2012, CON LA PRESENZA DI 77 GALLERIE INTERNAZIONALI

E NEL FRATTEMPO I NUMERI DI AAF AUMENTANO: 1 MILIONE DI VISITATORI!

Prestigioso obiettivo raggiunto da AAF nel mercato globale dell’arte: oltre 1 milione di visitatori dal debutto del 1999 e €175 milioni di opere d'arte vendute!

La richiesta di arte contemporanea originale e a prezzi accessibili è un trend in continua crescita: solo nel 2011, 155 mila amanti dell'arte hanno visitato una AAF nel mondo e visto opere d’arte esposte dalle oltre 1000 gallerie – più di qualunque altra fiera nel mondo.

Ormai un brand globale, la Fiera è attualmente presente a Amsterdam, Bristol, Bruxelles, Londra, Milano, New York, Singapore e Melbourne. Grazie agli obiettivi raggiunti, AAF nel nuovo anno si espanderà ancora nel mondo: Los Angeles, New Delhi, Amburgo, Stoccolma, Città del Messico e... ROMA!

Doppio appuntamento dunque per AAF in Italia! I suggestivi spazi della Pelanda del Macro Testaccio ospiteranno ad ottobre le gallerie romane e non solo, alla ricerca del nuovo collezionismo nella capitale.

Nel frattempo l'edizione di Milano è alle porte! Stand sold out nei 4000 metri quadrati di Superstudio Più che accoglieranno 77 gallerie e i loro artisti, offrendo un’esperienza divertente e rilassata ai visitatori, grazie anche ai tanti servizi offerti dalla fiera. Delle 77 gallerie presenti (in forte crescita rispetto alle 60 dell’edizione precedente), 24 saranno straniere provenienti da diverse parti del mondo (Stati Uniti, Inghilterra, Australia,
Hong Kong, Corea, ecc.) e sono previsti più di 12.000 visitatori che potranno ammirare una grande varietà di opere tra pitture, sculture, fotografie e stampe, di artisti viventi.

La campagna pubblicitaria, che presentiamo in anteprima, invaderà le strade, i tram e la città di Milano, coinvolgendo tutti i cittadini e i curiosi!

Prendendo spunto dalla campagna, i visitatori e gli amici di AAF MILANO saranno chiamati ad esprimere il loro rapporto con l’arte in pensieri e frasi che sarranno poi usate in videoproiezioni in fiera e iniziative sul web.

Tra le novità, un'area Video Point con interviste realizzate da Artmap in giro per Milano, a persone comuni ed esperti del settore; ci sarà anche una postazione d'interazione con i visitatori (3 schermi, collegati a social networks per commenti, lavagna digitale per scrivere, disegnare, etc.)

La prima delle tante iniziative di AAF MILANO è AAF CERCA YOUNG TALENTS, letture portfolii di giovani artisti, che ha registrato un grande successo nel primo appuntamento di novembre.

Dopo la conferenza, risotto e chiacchiere nella cucina LAGO vi sarà infatti l'annuncio, da parte del direttore Italia, Marco Trevisan, dei vincitori del concorso AAF cerca YOUNG TALENTS, a seguito delle letture portfolii di giovani artisti che avranno l’opportunità di essere presentati in fiera a febbraio.

2-5 Febbraio 2012 a Superstudio Più
Via Tortona, 27
www.affordableartfair.it
ENTRA NEL MONDO DI AAF!
http://www.vimeo.com/30301944
inaugurazione | anteprima
mercoledì 1 febbraio 2012
18.00-22.00

CLAIM

2012-01-03T06:07:00.000-08:00

Neue Berliner Raume is pleased to present the exhibition CLAIM in January 2012. The exhibited works are united by their reliance on a direct aesthetic presence rather than a conceptual background. The exhibition will be staged in a disused factory building and will feature works of painting, drawing, installation, sculpture, and video and sound art by the artists Christian Achenbach, Giuseppe Armenia, Carlo Bernardini, David Buckingham, Guido Canziani Jona, Jesper Carlsen, Paolo Grassino, Douglas Henderson, Philip Loersch, Jacopo Mazzonelli, Christopher Munch Andersen, John O'Connor, Kaspar Oppen Samuelsen, Domenico Piccolo, Federico Pietrella, Christoph Schirmer, Moritz Schleime, Owen Schuh, Secret Stars**, Klaus-Martin Treder and Per Wizen.

A distinct emotional perspective marks many of the works and it is the will to provoke a moment of directness that emerges with their dramatic gesture. In this way, the works explore the possibilities of an intuitive response and find an emotive language that overwhelms an intellectual approach. The shape of the concrete forms the essential feature of a visual unity that reaches far into the room to unfold its potential force. This claiming of an aesthetic field is the central idea of the exhibition.

Un Anno di quazzate

2012-01-02T10:28:00.001-08:00

Il bilancio di un anno di Quaz Art....

The Times They are a - Changin

2012-01-01T13:58:00.000-08:00

A BAF 2012 - Bergamo Arte Fiera dal 13 al 16 gennaio 2012 Massimo Balestrini esporrà alcune opere, riflessioni sulla crisi esistenziale di ogni Uomo, sugli inganni che il Potere utilizza per renderci suoi schiavi e sulle illusioni che creiamo per sfuggire a noi stessi

Elena Cermaria

2011-12-31T07:29:00.001-08:00

E per finire l'anno in bellezza, intervista ad Elena Cermaria su Quaz Art

I PAESAGGI DELL'ANIMA

2011-12-29T06:08:00.000-08:00

Un nuovo, importante appuntamento con la pittura contemporanea – il primo di questo nuovo anno – vi aspetta presso lo spazio espositivo della Galleria d’Arte Contemporanea Famiglia Margini di Milano, l’8 gennaio 2012 alle ore 18.00.

Si tratta di una esposizione monografica, dedicata alla produzione pittorica di genere paesaggistico, dedicata ad Alessio Ravaioli, curata da Massimiliano Bisazza ed organizzata da Promoter Art di Salvo Nugnes, all’interno del prestigioso progetto“Promoter Gallery – Temporary Art Shop”.

Di seguito, il testo critico scritto dal curatore, sul discorso pittorico di Ravaioli:

“Le origini dello studio e il lavoro di Alessio Ravaioli, partono dalla sua parte più razionale, quella di designer ed architetto, e dalla sua grande capacità, creativa e innovativa, che gli permettono di ricevere numerosi riconoscimenti, ad alti livelli, nel settore industriale.

Elevati livelli estetici supportati da innovativi strumenti tecnologici, fanno di Ravaioli architetto la cifra di lettura, la componente semantica della sua persona.

E’ grazie all’amore verso la pittura, però, che ha la possibilità di esprimere appieno il suo essere ed il suo divenire, in modo intimo e personale, che non lo lega ad uno stile preciso, ma ne dimostra la libertà intellettuale che, così, permette la sua piena manifestazione artistica.

Colgo una sorta di trait d’union tra Ravaioli architetto e designer e Ravaioli pittore e acquerellista, che mi conduce inevitabilmente a rivivere il concetto di multifunzionalità, di arte applicata, di arte meccanica ed i relativi collegamenti con le arti liberali, proponendo di superare il distacco tra arte ed artigianato; esattamente come fu esposto durante la sperimentazione della Bauhaus di Walter Gropius, Johannes Itten, Paul Kleé e tanti altri nella Repubblica di Weimer degli anni ’20.

Unire, consolidare, interscambiare sinergicamente arte e design, applicando loro l’innovazione e la praticità del vivere quotidiano con un accento tutto dedicato all’estetica.

La sua pittura è priva di accademismo, nasce dall’osservazione dei grandi artisti presenti nei Musei di tutto il mondo. E’ proprio tale esplorazione che ha prodotto il substrato conoscitivo di questo artista mite, che si muove in punta di piedi, con delicatezza.

La sua arte pone al centro dell’attenzione molti paesaggi, ma può concentrarsi con immediatezza e velocità anche su altri soggetti, cogliendone le varie sfaccettature.

Alcuni acquerelli di vedute potrebbero essere inscritti esattamente a metà tra il romanticismo simbolista tedesco di Arnold Bocklin e quello francese di Gustave Moreau. Nel primo caso vi è un punto d’incontro senza tempo e senza luogo, talvolta in campagne fantastiche, con una rivisitazione dell’ideale classico del paesaggio, mentre in ambito francese il naturalismo è più coscienzioso, più tenue.

Se poi “amalgamiamo” tutto con la qualità di colorista, dove i colpi di pittura del pennello hanno talvolta qualche valenza impressionista; ecco che ci appare più chiaro lo stile di Alessio Ravaioli. Poetico, quasi sentimentale nell’osservare il mondo circostante, con una punta di nostalgia bucolica, quasi arcadica. Benvenuti dunque nel mondo “altro” e sensibile, che l’artista ci propone in questa mostra personale, sempre sottovoce, permettendo che le sue energie restino concentrate nell’essenza della sua creazione, lasciando un suo segno tangibile.”

(Dr.Massimiliano Bisazza)

Alesso Ravaioli – “ I paesaggi dell’Anima”

Galleria d’Arte Contemporanea Famiglia Margini

Via Simone D’Orsenigo, 6 – Milano

Vernissage. 8 gennaio 2012, ore 18.00

Finissage: 21 gennaio 2012.

Orari di apertura: da lunedì a sabato, dalle ore 9.00 alle ore 19.00

Ingresso libero.

Per info: www.famigliamargini.com

Telefono: 02 55199449 – 347 2265227

Il sogno dell'elefante

2011-12-27T12:35:00.000-08:00

Su Quaz Art, nuovo articolo sponsorizzato da Samsung

I miei dipinti si inchinano a Dio

2011-12-27T12:00:00.000-08:00

Nel Futurismo vi è stata probabilmente una dialettica tra due posizione artistiche e concettuali tra loro contrapposte. La prima era orientata a scoprire la forza primogenia e creativa della materia, evidenziando la bellezza in lei trattenuta: posizione che ha fecondato il Novecento, ereditata da Fontana, da Burri, per poi passare all'Arte Povera ed essere interpretata in maniera creativa nei nostri giorni da Ignazio Fresu.

La seconda posizione era orientata alla trascendenza: una dimensione spirituale che prima si è espressa nelle meditazioni sulla velocità di Balla, una liberazione dal peso dell'essere, per ottenere la leggerezza dell'anima, poi nell'aeropittura, che raggiunge il culmine nell'esperienza dei futuristi torinesi che capitanati da Fillia, Oriani, Diulgheroff e Rosso affermano che i loro quadri

"rompono nettamente il cerchio della realtà per indicare i misteri di una nuova spiritualità"

e nelle opere cosmiche di Prampolini.

Posizione ereditata da De Dominicis e che oggi vive nelle ricerche del maestro Antonio Fiore.

Un processo analogo è forse avvenuto nella Transavanguardia: partendo da un'analisi, forse fuori tempo storico, dell'Uomo in chiave espressionista, da una parte Cucchi ha realizzato un linguaggio fondato sul cortocircuito tra forza narrativa del segno e seduzione formale della materia, mentre De Maria ha al contrario ricercato una dimensione mistica, ben evidenziata nella sua mostra al Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato, curata da Achille Bonito Oliva e da Marco Bazzini.

Mostra in cui sono presenti operedegli anni Novanta e Duemila, con alcune brevi incursioni dai periodi precedenti, centrata sul colore, sintesi tra tensione verso l'Infinito e desiderio d'intimità.

Intervista ad Anna Caruso

2011-12-26T09:26:00.001-08:00

Su Quaz Art, l'intervista alla pittrice Anna Caruso

Performance VERSUS

2011-12-23T10:10:00.000-08:00

As a Clown, la mostra personale di Andrea Contin alla Factory-art gallery di Berlino inaugurata lo scorso 22 ottobre 2011, visto il successo di pubblico e di critica è stata prorogata al 31 gennaio 2012.

Per l’occasione, sabato 21 gennaio verrà presentata dal vivo la performance Versus. Presentata per la prima volta alla galleria Arte e Ricambi di Verona nel 2002 e portata in trasferta l’anno successivo negli spazi di Circuit Association d’Art Contemporain a Losanna, in Svizzera, Versus approda ora, a quasi 10 anni di distanza, nella Mecca dell’arte contemporanea e del pugilato in Europa: Berlino.

Versus è un vero e proprio incontro di boxe, ma sul ring si trovano tre pugili anziché due, tutti contro tutti. Inserendo un terzo contendente lo schema rituale tradizionale viene scardinato e il combattimento si trasforma in rissa, metafora delle dinamiche sociali ed interpersonali dell’epoca contemporanea. È proprio attraverso la messa in scena della sparizione brutale di ogni etica sportiva che si va in realtà a sottolinearne la mancanza e a riaffermarne l’assoluta ed urgente necessità.

Tutte le regole dell’evento vengono rispettate per ottenere un effetto di verosimiglianza con la realtà, tranne per l’elemento che ne decostruisce dall’interno la fruizione: la presenza del terzo pugile. L’allestimento vedrà quindi, in un’atmosfera da Fight Club, un vero ring dove tre veri pugili combatteranno di fronte ad un vero pubblico, presentati da un vero speaker, in questo caso l’artista, ed arbitrati da un vero arbitro, per l’occasione il critico d’arte Michele Robecchi direttamente da Londra. Tutti questi elementi concorrono al completamento di quello che risulta essere, non solo metaforicamente, un evento sportivo vero e proprio, ma dalle potenzialità espressive e simboliche amplificate all’infinito.

A far da cornice all’evento sarà la mostra As a Clown, una selezione dei lavori più importanti della produzione di Andrea Contin, quasi una retrospettiva che rappresenta un primo importante sguardo sull’insieme dell’opera di questo artista, autore di video, installazioni, performance, oggetti e disegni la cui intenzione concettuale viene espressa all'insegna della sintesi rigorosa e dell'ironia.

Da sempre protagonista attivo delle proprie opere, Contin affronta con leggerezza e profondità temi e archetipi alla base dell'esistenza come la morte e la lotta, che sia rituale o per la sopravvivenza, attraverso una potente energia primaria dal sapore catartico e iniziatico. Un lavoro, quello di Contin, emotivamente forte ma mai retorico, che aggira la percezione razionale per arrivare direttamente ed empaticamente al centro, alla pancia, allo stomaco, al vissuto dello spettatore che si aggiunge a quello dell’artista grazie alla forza della metafora e alla semplicità di un linguaggio potente ma elegante e diretto.

Intervista a Maira Pedroni

2011-12-22T06:26:00.000-08:00

Su Quaz Art, intervista all'artista Maira Pedroni

BASEMENT PROJECT ROOM CERCA ARTISTI

2011-12-22T06:18:00.000-08:00

BASEMENT PROJECT ROOM, avendo come scopo la promozione e la divulgazione di atti creativi e di attività culturali e prefiggendosi come obiettivo la valorizzazione di idee, di progetti, di uno spazio aperto, pluralistico e di confronto, dà la possibilità a giovani artisti di età compresa tra i 18 e i 35 anni, di sottoporre il proprio lavoro con lo scopo di valorizzare e promuovere la giovane arte contemporanea, di collaborare temporaneamente o di entrare a far parte definitivamente dell’organico di BASEMENT, previa valutazione, costituendo la programmazione espositiva.

Alle selezioni possono partecipare, dunque, artisti operanti nel settore delle arti visive e che si esprimono nei seguenti campi artistici:

* PITTURA
* GRAFICA
* FOTOGRAFIA

Lo scopo della formula OPEN CALL è di promuovere la creatività ed il lavoro di giovani artisti individuati per qualità, approfondimento e contemporaneità, ricerca ed innovazione del linguaggio espressivo, esprimendo in questo modo fiducia nelle nuove generazioni: la selezione, pertanto, è realizzata in una prospettiva di continuità ma anche di rinnovamento con attenzione alle tecniche, alle ricerche ed ai significati.

I progetti ritenuti migliori saranno poi selezionati per accordare collaborazioni espositive durante il calendario della stagione d’apertura 2011/2012.

Per partecipare è necessario inviare la propria richiesta entro e non oltre il 06/01/2012 al seguente indirizzo e-mail:

basementprojectroom@gmail.com

allegando:

- CV/BIO (formato .doc, .docx, .pdf)
- Portfolio (max 10 immagini, formato .jpg, max 2 Mb, 300 dpi)
- Didascalia (titolo, anno, tecnica, misure, prezzo)
- Breve motivazione/Spiegazione (formato .doc, .docx, .pdf max 500 caratteri)
- Presentazione sintetica delle opere (max 1000 caratteri)
- Contatti

La scelta avverrà attraverso il vaglio di tutte le immagini inviate.

Non verranno prese in considerazione domande prive della documentazione richiesta.

L’esito delle selezioni sarà comunicato direttamente da BASEMENT PROJECT ROOM agli artisti, che verranno inseriti nell’organico ed innanzitutto sul sito internet basementprojectroom.blogspot.com

Il materiale verrà utilizzato per pubblicazioni cartacee o web relative alla selezione, a discrezione dell’organizzazione.

Per ulteriori informazioni:
basementprojectroom@gmail.com
basementprojectroom.blogspot.com

Loverismo

2011-12-21T05:03:00.000-08:00

LOVERISMO: dietro questa parola c'è la storia di un movimento artistico/culturale che nasce dalla passione per l'arte. Laddove c'è Amore e si crede DAVVERO in ciò che si fa, il rispetto per le creazioni e le idee degli artisti che un giorno riempiranno le pagine di manuali di storia dell'arte iper-contemporanea, prende forma il LOVERISMO.

Lo spirito dei LOVERISTI si cela dietro il potere della LOVOCRAZIA: basta speculare sugli artisti, basta curatori che succhiano energie ad artisti che hanno qualcosa da dire, basta galleristi che non fanno altro che speculare sulle opere d'arte senza avere la minima idea di cosa c'è al di là della tela. In opposizione al "mercantilismo" e al "favoritismo" purtroppo estremamente presente nel circuito dell'arte nasce il pensiero "LOVOCRATICO": il LOVERISMO non è per tutti! Essere LOVERISTA vuol dire AMARE l'arte per quello che ha da dire e non per il suo valore economico. Il LOVERISMO ripugna il concetto di arte=supermarket.

Ebbene... QUAZ ART E' LOVERISTA

ART IN-BOX

2011-12-21T04:51:00.000-08:00

ART IN-BOX
mostra collettiva italo-ceca organizzata in collaborazione con l´Istituto Culturale Ceco a Milano

Curatrice: Susanna Horvatovičová

Inaugurazione: Martedì 10 Gennaio 2012 - ore 19:00
Durata: fino al 31 Gennaio 2012
Luogo: Istituto Culturale Ceco
Indirizzo: via G. B. Morgagni 20, 20129 Milano

Martedì 10 Gennaio 2012 alle ore 19:00 si inaugurerà la quarta esposizione italo-ceca ART IN-BOX, curata da Susanna Horvatovičová presso l´Istituto Culturale Ceco, in via G. B. Morgagni 20, Milano (10.-31.2.2012).

ART IN-BOX nasce da un'idea della curatrice come un progetto itinerante destinato a viaggiare per il mondo. La mostra collettiva è stata presentata nel 2010 nella Galleria comunale di Brno nella Casa dei Signori di Kunštát (Dům Umění města Brna), nel 2011 nel Centro Culturale Vltavská di Praga, e in Italia presso La Porta Blu Gallery di Roma (2011).

Nella sezione "made in Italy" partecipano: Alessio Ancillai, Ennio Alfani, Massimo Arduini, Elise Blue, Michal Blumenfeld, Daniele Contavalli, Natsumi Di Vito Chirico, Cristina Falasca, Alberto Emiliano Durante, Ferdinando Fedele, Uemon Ikeda, Hektor Mamet, Marè, Daniela Mastrangelo, Barbara Mazzeo, Roberto Pace, Alberto Parres, Giuliano Pastori, Carlo Pecoraro, Eugenio Percossi, Polydoro, Pupillo, Elia Sabato, Rakele Tombini, Chiara Tommasi.

Nella sezione “made in Czech Republic” sono presenti: Darina Alster, Michal Cáb & Františka Lachmanová, Marek Číhal, Noam Darom, Jiří David, Jaro Dufek, George Hladík, Ondřej Homola, Petr Krátký, Radim Labuda, Filip Nerad, Tomáš Roubal, Tereza Rullerová & Vít Musil, Milan Salák, Václav Skala, Lucie Skřivánková, Dagmar Šubrtová, Klára Vystrčilová.

La mostra italo-ceca ART IN-BOX è concepita come un'unica installazione composta da diverse scatole delle misure esatte di 20x20x20 cm. L'insieme dei lavori vogliono essere uno spazio misterioso, simbolo dell'identità tra la forma, il contenuto e la funzione dell'opera. Sono un metro di misura
dell´evoluzione dell'arte e dell'architettura contemporanea in rapporto all'ambiente, sia urbano che naturale. La collettiva è, allo stesso tempo, un´installazione multipla legata al tema del viaggio, ma anche una collezione di scatole d´arte 20x20x20 cm, destinata a crescere in ogni luogo dove viene presentata. In ogni città, infatti, vengono invitati a partecipare nuovi artisti locali che arricchiscono con i loro lavori la collezione – installazione.

ART IN-BOX gioca sulla bivalenza tra l´involucro della scatola e il suo contenuto, tra la grandezza reale della galleria ed i cubi in miniatura. L'idea si inspira al ready-made di Marcel Duchamp, ai Fluxus Boxes e a J. Cornell, dove il motivo della scatola ha assunto diverse forme, dall´assemblaggio al collage. Secondo laTeoria del sistema degli oggetti di Jean Baudrillard e la recente Teoria della postproduzione del critico Nicolas Bourriaud, la nostra società è ormai “posseduta“ dagli oggetti, così come gli oggetti sono posseduti e manipolati dalla società. Se i Fluxus Boxes americani degli anni '60 giocavano ancora sul conubio forma-contenuto, adoperando sia testi concettuali che ready-made, la scatola-cubo è oggi concepita come un oggetto multifunzionale usato spesso nel design e nella pubblicità.

ART IN-BOX insiste sull'ambiguità tra l'opera concettuale e l'oggetto concreto, combina la tecnica pittorica con il video e con i lavori di postproduzione. Non è dunque un ricordo sbiadito dei Fluxus Boxes ma è piuttosto un progetto artistico che mette in evidenza quella mutevole “scatola magica“ che si trova in ogni angolo della strada, ma anche nelle gallerie. E' solo un magico gioco di combinazioni tra caso e necessità dove un semplice Box si può trasformare in un Post Box - Mailbox - Artbox - Eco Box - Kits Box – White Box - Box In Box – Art In Box…

C'era una volta

2011-12-20T05:04:00.000-08:00

Il 15 dicembre è stato inaugurato al Macro Testaccio (piazza Orazio Giustiniani, 4) “C’era una volta” il primo festival delle arti pensato per i più piccoli. Molto più di una mostra nella quale gli artisti interpretano le fiabe, ma un ricco cartellone di spettacoli teatrali, proiezioni cinematografiche, concerti, reading, laboratori di teatro e attività artistiche che accompagneranno bambini e famiglie per tutte le feste natalizie. L’evento è promosso dall’assessore alle politiche giovanili del comune di Roma Dino Gasperini e si concluderà il 22 gennaio 2012.

Nella collettiva sono presenti 30 artisti, tra cui Silvia Faieta, che reintepretano con il loro linguaggio le fiabe dell'infanzia.

Si tratta di un evento completamente solidale, al quale gli artisti hanno scelto di partecipare gratuitamente. Il ricavato della vendita del catalogo del festival sarà destinato all’Ospedale Pediatrico Bambino Gesù, cui sarà devoluto anche l’incasso dell’asta delle opere realizzate nell’ambito della performance “Arte in 12 mosse”

Vita di Milano

2011-12-20T04:53:00.000-08:00

Anche questo mese, il magazine di fotografia Potpourri dedica uno speciale ad un artista di Quaz Art. Questa volta il prescelto è Vita di Milano.

Qui, l'articolo critico di approfondimento

L'ex convento di San Francesco a Patti

2011-12-19T12:19:00.000-08:00

Quasi due anni fa, il buon Armando Di Carlo, con cui ho collaborato in numerose iniziative culturali, mi propose l'idea di elaborare un progetto finalizzato a trasformare l'ex convento di San Francesco a Patti, recentemente restaurato, in un polo espositivo per l'arte contemporanea.

Iniziativa che mi intrigò subito e a cui, come possono testimoniare tanti amici, mi gettai anima e corpo. Preparammo assieme un progetto, figlio di un lungo lavoro di ricerca ed elaborazione, presentato con l'associazione Omnia e regolarmente protocollato ( numero di protocollo 16079 ). Progetto che prevedeva anche delle mostre in cui coinvolgere artisti di Quaz Art.

Dati i mesi di silenzio, ho ritenuto che il progetto, nonostante gli encomi ricevuti, fosse stato cassato. Nella vita può capitare, quindi mi sono messo l'anima in pace.

Per caso, scopro che invece è stata adottata una soluzione differente... Al di là delle polemiche, che non mi interessano, però un dubbio rimane...

E' possibile avere finalmente una risposta dal Sindaco e dall'amministrazione di Patti sul perchè la proposta mia e di Armando Di Carlo sia finito nel dimenticatoio ?

Perchè l'amministrazione si è orientato su un progetto differente ? Con quali criteri è stata effettuata la scelta ?

Quale iter burocratico è stato seguito nella decisione ?

Spero se non per trasparenza, per lo meno per educazione, di avere delle risposte..

Michela Riba

2011-12-19T11:52:00.001-08:00

Su Quaz Art, un'analisi critica dedicata all'arte di Michela Riba

Scheda

2011-12-19T11:41:00.000-08:00

Mercoledì 21 dicembre alle ore 17.00 si inaugura la nuova sede della redazione della rivista d' arte Scheda, in via Carraia 27 a Prato.

In tale occasione, si presenterà anche il nuovo numero della rivista, dal tema

RIVELAZIONE, TRA SOPRAVVIVENZA E BUONA NOVELLA

ripreso da quello della grafica di Antonella Sassanello che lo accompagna...

Questa è la scaletta della serata

SCALETTA:

ore 17:00 saluto
ore 17:15 caratteri cinesi per Rivelazione, Sopravvivenza, Promessa
ore 17:30 presentazione dell'artista ANTONELLA SASSANELLI
ore 17:50 Caro Babbo Natale... Performance di Enzo Correnti
ore 18:05 inizio TAVOLA ROTONDA sul tema
a: giro dei relatori
b: domande al pubblico
c: conclusioni dei relatori
ore 19:45 buffet

I relatori invitati sono:

Mondanelli Dante (assessore)
Matteo Vannini (filosofo)
Fabio Bracci (sociologo)
Ignazio Fresu (artista)
Pieraccini Giovanni (per la Caritas)

Hydros - Stendardi d'Artista

2011-12-18T11:36:00.000-08:00

Gli artisti Franca Bernardi, Gabriella Di Trani, Rita Mele, Teresa Pollidori, Fernando Rea, Rosella Restante, Alba Savoi, dello Studio Arte Fuori Centro di Roma partecipano all’evento Hydros - Stendardi d'Artista curato da Gabriele Marino e Daniela Tucci.

La mostra, che vede la partecipazione di circa 40 artisti provenienti da tutta Italia e dall’estero, sarà aperta al pubblico dal 18 dicembre al 6 gennaio 2012 nel Chiostro del Museo d'Arte Contemporanea e nella piazza dei Giudici di Capua.

A tenere uniti i lavori di artisti differenti per formazione e linguaggio è il tema dell'acqua: nell'idea dei curatori infatti c'era fin dall'inizio il desiderio di costruire un singolare omaggio all'acqua in generale e al mare in particolare. Nata da un idea di Gabriele Marino e proposta sin dal 2009 nell'ambito della manifestazione Settembre a Diamante (CS) approda ora nella città campana. Il Direttore del Museo d'Arte Contemporanea di Capua, Luigi Brandi, è stato lieto di accoglierla negli spazi all'aperto del Museo e nel centro storico, stabilendo cosi un importante rapporto di collaborazione. Le opere realizzate rappresentano un esplicito collegamento con la città e la sua storia, alludendo nella loro forma agli Stendardi delle processioni e alle coperte esposte per tradizione dal popolo durante i riti religiosi.

Gli artisti partecipanti sono stati chiamati a lavorare su un supporto di cm 250x100, per sviluppare ciascuno secondo il proprio linguaggio visivo il tema proposto e stabilire un dialogo costruttivo con il contesto storico della città di Capua e con i suoi spazi architettonici.

Informazioni:
titolo: Hydros - Stendardi d'Artista
curatori: Gabriele Marino e Daniela Tucci
città: Capua
luoghi espositivi:
- Chiostro del Museo d'Arte Contemporanea, Via Asilo Infantile, 2
orari: mattina 10/12,30 pomeriggio 17/20
- Piazza dei Giudici – orario continuato
Periodo: dal 18 dicembre 2011 al 6 gennaio 2012

Info: manuelabrandi@alice.it

Una Storia

2011-12-17T11:23:00.000-08:00

Da dove inizia la tua storia?

Da una frase? Da un luogo? Da un oggetto?
Pensaci, poi scrivilo in un breve testo. O raccontalo in un mini video (girato anche con cellulare) o con una (o più) fotografie.
Infine spedisci tutto a:

dadoveinizialamiastoria@gmail.com

Hai tempo fino alla mezzanotte del 31 dicembre.

Il materiale raccolto confluirà all'interno del progetto "Una storia" della scrittrice Alessandra MR D'Agostino e del musicista Gianfranco Candeliere.

Ti aspettiamo!

Arte e Democrazia

2011-12-16T10:59:00.000-08:00

Su Quaz Art, riflessioni sul rapporto tra Arte Contemporanea e Democrazia

Cromatiche Emozioni

2011-12-16T10:21:00.000-08:00

CARLO BARBIERI, ECLETTICO ARTISTA CONTEMPORANEO E NOTO RESTAURATORE,
ESPONE LE SUE OPERE IN MOSTRA DAL TITOLO “CROMATICHE EMOZIONI” A MILANO,
PRESSO LA PRESTIGIOSA GALLERIA D’ARTE FAMIGLIA MARGINI, DAL 24 DICEMBRE 2011 ALL’8 GENNAIO 2012 CON INAUGURAZIONE VENERDI’ 23 DICEMBRE ALLE ORE 18.00

L’eclettico artista e noto restauratore modenese Carlo Barbieri, ha scelto la rinomata Galleria d’Arte Famiglia Margini, sita in Via Simone d’Orsenigo 6, nel cuore di Milano, per esporre le proprie opere, dal 24 Dicembre 2011 all’8 Gennaio 2012.

La mostra monografica, intitolata “Cromatiche Emozioni” a cura di Massimiliano Bisazza e organizzata da Salvo Nugnes, ideatore del marchio “Promoter Gallery” Temporary Art Shop,sarà inaugurata Venerdì 23 Dicembre 2011, alle ore 18.00.

L’originale ed innovativo progetto coinvolgerà per alcuni mesi la prestigiosa Galleria, con l’allestimento di Mostre ed Eventi culturali di notevole portata ed interesse.

“Promoter Gallery” Temporary Art Shop è frutto del connubio tra appassionata vocazione per l’Arte e consolidata capacità di gestione manageriale e richiama il diffuso e conosciuto sistema dei “Temporary Shop” già ampiamente applicato nel settore della moda, con grande successo.

Il percorso artistico e stilistico di Carlo Barbieri è molto originale, riuscendo ad elaborare delle creazioni assolutamente particolari, che suscitano, fin dal primo sguardo, emozioni e suggestioni del tutto personali e soggettive, spesso scaturite dalla fantasia e dall'immaginazione creativa più immediata e istintiva, concedendo una libera interpretazione e trasmettendo l'incipit per individuare la forma esteriore e cogliere il contenuto e il significato sostanziale di esse.

Le opere esprimono messaggi intrinsechi e subliminali, mai completamente svelati, ma ancora da scoprire e carpire, seguendo lo stile dell’Astrattismo, ma rivisitato e trasformato in chiave personalizzata.

Nei quadri emergono figure e rappresentazioni stilizzate e apparentemente prive di contorni, ma captabili e delineabili sulla tela, attraverso l'attento e acuto occhio dell'osservatore, che potrà attribuire spazio, dimensione e significato simbolico, in base al patos emozionale e al moto dell'anima del momento.

E’ individuabile un’interessante parallelismo con il grande artista italiano, maestro del “décollage”
Mimmo Rotella, che ha utilizzato la tecnica degli strappi su posters e riviste all’interno dei propri quadri.
La peculiare creatività artistica di Barbieri si manifesta nell'utilizzo di svariati materiali, tra cui
giornali, sabbia, calce, collanti acrilici, particolari pigmenti colorati.

Questi materiali vengono trasferiti dalla lavorazione del restauro alla composizione dei quadri, che sono caratterizzati dalla forte corposità della materia.

La consistenza degli impasti, l'intensità e densità dei colori, anche nelle sfumature e nella sovrapposizione delle tonalità cromatiche, i giochi di trasparenze e ombre in chiaro-scuro, denotano la volontà di imprimere movimento e dinamicità all'insieme, in una visione mai fissa e cristallizzata, ma sempre capace di fornire nuovi spunti interpretativi, nuovi parametri e riferimenti di valutazione e riflessione.

Film

2011-12-15T12:46:00.001-08:00

Chevrolet, nell'ambito della sua ultima campagna pubblicitaria, ha supportato giovani filmmakers attraverso la sue partnership con MOFILM per realizzare una serie di video dedicati al tema malinconico delle occasioni perdute.

I film si possono visualizzare sul canale YouTube Chevrolet Europe

Tensioni e Bilanceri

2011-12-15T12:24:00.000-08:00

In concomitanza con la grande mostra antologica ospitata a Palazzo del Duca di Senigallia, Delloro Arte Contemporanea presenta nella sua sede di Roma, in via del Consolato 10, l’ultimo ciclo di opere di Paolo Cotani. Il percorso espositivo intende mostrare il punto di arrivo della ricerca intrapresa dall’artista, dove il segno diviene pura tensione, presentando una serie inedita di sculture in acciaio e cinghie che si raccordano agli ultimi cicli di lavori come Tensioni e Bilanceri.

L’indagine nasce già a partire dai primi anni ‘70 con i cicli Passaggi, Bende elastiche, Fili battuti.

Questi rappresentavano, in linea la ricerca analitica di quegli anni, gesti elementari ma anche esasperate espressioni di assenza di uno spazio pittorico, fasciature o impronte che si intrecciavano sul campo visivo demarcando il senso di traiettoria.

Negli ultimi lavori appunto, l’impiego strutture in acciaio alle quali sono tese le cinghie, definisce un linguaggio inedito, una dimensione quasi scultorea che trascende la bidimensionalità della struttura superficie-telaio. Volendo affiancare il lavoro della Galleria, due spazi privati, case a lungo frequentate dall’artista, si aprono la sera prima dell’inaugurazione per mostrare una suggestiva selezione di opere.

Music To Life - sponsorizzato da Samsun Galaxy Note

2011-12-15T01:27:00.000-08:00

Fun illustrations on the Samsung Galaxy Note allows this drummer to bring his music to life.

100 x 100

2011-12-14T05:39:00.001-08:00

“Quando si considera un'esistenza come quella di Roma, vecchia di oltre duemila anni e più, e si pensa che è pur sempre lo stesso suolo, lo stesso colle, sovente perfino le stesse colonne e mura, e si scorgono nel popolo tracce dell'antico carattere, ci si sente compenetrati dei grandi decreti del destino.”

Johann Wolfgang Goethe, Viaggio in Italia, 1815/17

La Roma in bianco e nero delle foto di Marcello Di Donato ha lo stesso sapore di quella descritta da Goethe nel XIX secolo, ciò che cambia è l’occhio che la scruta ed il modo in cui lo fa. 100 scatti per 100 diverse facce della città “eterna”. Da Villa Borghese al Colosseo, passando per le spettacolari Rovine della città antica, ed ancora le piazze e gli edifici di quella moderna, in un itinerario fotografico fatto di spettacolari panoramiche, ma anche di piccoli attimi rubati girovagando per le strade della città.

Marcello Di Donato ci da la possibilità di vedere attraverso il suo obbiettivo scorci impercettibili ad occhi non allenati a cercare il dettaglio.

La mostra sarà inaugurata il 16.12.2011 alle ore 19.00 presso la galleria Hybrida Contemporanea, via Reggio Emilia 32 e sarà in esposizione sino al 18.01.2012.

Ufficio Stampa

Hybrida Contemporanea

Tel/fax 06 99706573

Martedì_Sabato 16:00-20:00

Canon is Magic !

2011-12-14T05:31:00.000-08:00

DHG Art Factory, Prize for contemporary art

2011-12-14T05:14:00.000-08:00

Main Street Srl rende noti i nomi dei professionisti designati quali membri ufficiali della Giuria per la prima edizione del concorso internazionale DHG Art Factory, Prize for contemporary art, finalizzato alla promozione dell'arte contemporanea ed alla valorizzazione del legame tra arte, industria e territorio, nel nome della ricerca e della creatività.

La Giuria, presieduta da Gaia Gualtieri (Amministratore Delegato Main Street Srl), sarà composta da Francesco Funghi (Direttore Galleria d'arte contemporanea Vault), Lorenzo Giusti (Curatore EX3 Centro per l'arte contemporanea Firenze), Livia Savorelli (Direttore Editoriale Espoarte Contemporary Art Magazine) e Massimiliano Tonelli (Direttore Artribune), nomi di assoluto rilievo nel panorama contemporaneo, chiamati a rappresentare le diverse professionalità dell'arte, anche in relazione al contesto culturale della città di Prato.

In palio, un contratto di lavoro del valore di 4.000,00 Euro e la possibilità di realizzare una propria opera sulla facciata di un grande edificio, che verrà adibito a magazzino, showroom e luogo di rappresentanza.

Sarà possibile iscriversi fino al 15 gennaio 2012 direttamente on-line, attraverso la compilazione dell'apposito modulo e l'upload del progetto in concorso, contestualmente ad un piccolo portfolio. Ad ogni iscritto sarà garantita buona visibilità sul sito del concorso per l'intera durata del bando.

Fino alla data di chiusura del bando, appassionati d'arte e operatori di settore potranno esprimere le loro preferenze attraverso il voto on-line, che determinerà automaticamente il nome di uno dei 20 finalisti, preselezionati dall'Azienda e sottoposti al parere della Giuria, che decreterà il vincitore. L'opera sarà realizzata entro il mese di aprile 2012 e presentata ufficialmente in occasione dell'inaugurazione della nuova sede aziendale.

DHG Art Factory, Prize for contemporary art costituisce solo la prima di una serie di iniziative che vedranno il marchio DHG - dyeinghousegallery abbinato al mondo dell'arte e della cultura, alla ricerca di nuove idee e possibili commistioni tra industria e creatività.

Chevrolet

2011-12-13T05:01:00.000-08:00

Su Quaz Art, nuovo articolo, sponsorizzato dalla Chevrolet

Il clima sta cambiando

2011-12-13T04:57:00.001-08:00

Insight Space Gallery di Fauzia Colletti Gavioli

presenta

SpamArte

Il Clima cambia, la Musica No

in collaborazione con

Progetto Cultura Edizioni e Centro Studi Lucio Colletti

vernissage

Sabato 17 dicembre dalle 17:30 in Via Marco Aurelio, 43 Roma Italy

Il fermento culturale SpamArte prosegue il suo viaggio artistico, dopo la perfomance tenutasi presso il Palazzo dei Congressi a Roma il 7 dicembre scorso, durante la fiera Più libri Più liberi 2011. Parole, musiche, teatro e danza si spostano (non scompaiono) e lasciano spazio alle opere visive: installazioni, quadri, fotografie e immagini che danno un volto agli stessi dubbi, le stesse contaminazioni e invasioni seppure in forma diversa.

È un tempo questo in cui i numerosi piani della vita si mescolano: politica, ambiente, arte e società sembrano non rispettare più certi confini e spazi. La natura rompe gli argini e si ribella trascinando con sé uomini e cose, invadendo anche le case costruite lì dove la terra si sente usurpata. Anche gli spazi di espressione, soprattutto nel campo artistico, hanno subìto un mutamento e un’espansione senza eguali con l’invasione e insieme il supporto di internet.

Spesso queste invasioni di campo e competenze possono destare confusione ma anche contribuire a un circolo virtuoso di scambi produttivi tra movimenti, culture e talenti, trasformando così gli aspetti negativi in proposizioni positive: una passata speculazione edilizia, etica, culturale può mutare in coscienza ambientale e giuste leggi; componimenti e armonie che della passata diffidenza spam hanno saputo trarre nuove correnti e movimenti. Oppure no?

Ad ospitare la mostra degli artisti Spam sarà uno spazio inconsueto quanto prezioso perché incastonato tra i vicoli più storicamente importanti e insieme popolari del Rione Celio di Roma: un binomio sicuramente idoneo a rappresentare le opere originali del fermento Spam. Insieme agli artisti SpamArt espone il Gruppo Sinestetico di Padova e gli artisti della formazione internazionale: “Webism – Art connecting the world group”, fondato nel 2003 da artisti internazionali (dalle Hawaii all’Iran).

Aperta il sabato e la domenica (ore 17-20) o su appuntamento. La mostra proseguirà fino al 30 luglio 2012

Info: 331 2733330 - 366 4545656 associazione@luciocolletti

Artisti Partecipanti

Arte: Virginia Carbonelli, Gabriella Di Trani, Stefano Frasca, Salvatore Giunta, Lughia, Giuseppe Salerno, Giulia Colletti, Francesca Cataldi, Webism, Rossella Alessandrucci, Chelo Mariano, Simona Innocenzi, Michele De Luca, Michele Leognani, Maurizio Pio Rocchi, Daniela Negri, Paolo Hermanin, Gruppo Sinestetico,Vittorio Pavoncello.

Foto: Ferdinando Provera, Patrizia Pieri, Gabriel Zagni

Ufficio Stampa: Simona Zecchi Andrea Riccio

simozecchi@gmail.com - riccioandrea85@gmail.com

www.spamarte.it www.artingrid.de/webism.htm

sito del webism movement ospitato da Ingrid Kamerbeek

Peace Island

2011-12-13T04:46:00.001-08:00

“… auspichiamo che isole di dialogo civile, di progresso sociale e di costruzione di pace prendano il posto degli scontri violenti, come quelli che sabato 15 ottobre a Roma hanno coinvolto anche la nostra sede.”

Enzo Orlanducci

Presidente Esecutivo - ANRP

La mostra evento Peace Island 2011, nasce dalla volontà di cooperazione e dalla collaborazione di associazioni, artisti, intellettuali e studenti per consentire la ripresa delle attività della sede della ANRP, gravemente danneggiata da un violento attacco di infiltrati durante la manifestazione romana degli Indignados del 15 ottobre 2011.

Il prof. Enzo Orlanducci, Presidente esecutivo della ANRP, e la curatrice Francesca Pietracci, responsabile Art Division ANRP, colgono l’occasione per promuovere, ancora una volta, le energie vitali della nostra società in ambito artistico e intellettuale e dare modo al pubblico romano, ma anche internazionale, di ritrovarsi per scambiare le proprie idee in merito ai valori della memoria, della democrazia, della libertà e, in generale, del rispetto dei diritti umani. Più di 50 artisti, provenienti da tutto il mondo e vicini da decenni ai progetti della ANRP, partecipano con le loro opere e i loro interventi. Verrà esposta anche una tela lunga più di 25 metri, realizzata da 26 artisti che nel 2003 hanno partecipato ad un laboratorio per la pace e ad una mostra sui Diritti Umani ad Argostoli, capoluogo dell’isola greca di Cefalonia, luogo dell’eccidio dei soldati italiani compiuto da reparti dell’esercito tedesco nel settembre 1943. Per arrivare ai noti fatti di cronaca, la fotografa Patrizia Dottori realizza la performance “Lapides” che non ha potuto eseguire durante la manifestazione romana degli Indignados del 15 ottobre scorso. Ad intervenire tra gli altri, in qualità di ospiti d’onore, sono due sociologi e due storici dell’Università degli Studi La Sapienza di Roma: Franco Ferrarotti, Maria Immacolata Macioti, Luciano Zani, Anna Maria Isastia.

Questi sono i contenuti portanti dell’iniziativa, accolta con interesse dall’Istituto Superiore Antincendi di Roma e da Indiateca. Teatro India, con il patrocinio di Comune di Roma, Provincia di Roma e Regione Lazio.

Gli artisti presenti svolgeranno incontri e laboratori dal 13 al 17 dicembre, dalle ore 16 alle ore 19,30, presso la sede della mostra: Istituto Superiore Antincendi – via del Commercio 13, Roma.

OPERE IN MOSTRA

Franco Altobelli, Karin Andersen, Sabato Angiero, Francesco Astiaso Garcia, Navid Azimi, Ivan Barlafante, Bato, Romolo Belvedere, Giorgio Bevignani, Andrea Boldrini, Luigi Caiffa, Carlo Canè, Georges de Canino, Franz De Blasi, Niccolò De Napoli, Claudio Di Carlo, Lucio Castagneri, Patrizia Dottori, Orit Drori, Ossama Mahmoud Emam, Anna Esposito, Fiorella Fiore, Ines Fontella, Elizabeth Frolet, Daniel Gonzalez, Fathi Hassan, Paulina Humeres, Emilio Leofreddi, Giorgio Lupattelli, Gabriel Maldonado, Anna N. Mariani, Stefano Massimo, Melange, Isabella Nurigiani, Christian OFF, Anna Paparatti, Hannu Palosuo, Giovanni Papi, Eugenio Percossi, Carlo Pettinelli, Anton Roca, Fuke Pi San, Lorenzo Scanu, Stefano Scheda, Felipe Senatore, Shagayegh Sharafi, Salvator Spagnolo, Beatrice Tosi, Rafael Vanegas, Roberto Vignoli, Esteban Villalta Marzi, Caterina Vitellozzi, Rita Vitali Rosati, Yoshinobu, Emad Abdel Wahab, Jenny Watson.

INTERVENTI

Franco Ferrarotti, Maria Immacolata Macioti, Luciano Zani, Anna Maria Isastia

PERFORMANCES

Patrizia Dottori, Lapides, 2011 – Melange, Immigrant Movement International, 2011

INSTALLAZIONI

Peace Island, Cefalonia, 2003 – Isabella Nurigiani, Diversità, 2011 – Salvator Spagnolo, Fusion, 2011 – Francesco Astiaso Garcia, Astrazione Ossa e Colore, 2010 – Giovanni Papi, Long Time, 2011 – Caterina Vitellozzi, Big Bang Era II, 2011.

INFO e SEGRETERIA: anrpita@tin.it – tel. 06 7004253 – mob. 3483005294

www.anrp.it

Ivana Gullo

2011-12-11T11:27:00.000-08:00

Su Quaz Art, intervista alla pittrice Ivana Gullo

Spazio Orlandi

2011-12-11T11:18:00.000-08:00

Dal 2 Febbraio al 5 Febbraio a Superstudio Piu’,in Via Tortona n 27 si terrà The Affordable Art Fair 2012 MILANO in cui sono presentate opere in vendita con una soglia massima di 5.000,00 euro

Lo Spazio Orlandi presentera’ alla Fiera The Affordable Art Fair 2012 tre artisti a cui ha gia’ da puntato da un bel pezzo:

ALESSANDRO BULGARINI

ANDREA ANTIKORPO LANZI

PIETRO DI LECCE

I tre si accomunano grazie allo spirito di polemica utilizzato per la maggior parte delle loro opere d’arte; quasi sempre scioccanti, ciniche ma allo stesso tempo profonde e mai superficiali.

I quadri di Alessandro Bulgarini rispecchiano i difetti di una societa’ secondo l’autore in decadenza senza nessun tipo di valore ne rispetto, tecnicamente si caratterizzano per i loro colori tenui, i soggetti spesso sembrano fluttuare nell’aria. Sono evidenti nelle opere di Bulgarini i richiami all’alchimia, alla kabbalah, all’esoterismo in generale. Bulgarini inoltre si presenta come sciamano dei tempi ogni suo lavoro precede spesso fatti storici inevitabili.

Le opere di Andre Anticorpo Lanzi, (artista eclettico e tatuatore di professione) a primo impatto visivo sembrerebbero ciniche, crudeli senza troppi fronzoli in realta’ l’autore cela la voglia di far riflettere su argomenti sempre attuali come la malvagita’ umana nei confronti degli animali, della vita e della natura in generale. Per le sue sculture utilizza i piu’ svariati materiali tra cui resine, argilla, peli impiantati, materiali plastici.

Pietro Di Lecce presenta la serie di lavori denominata “ Social Pop”.

Le sue opere si possono localizzare nella corrente pop surrealism, l’artista mette in contrasto tecnica e argomenti che vanno a scontrarsi rendendo i suoi lavori affascinanti e innovativi.

L’artista destabilizza e spiazza l’osservatore, facendogli credere, attraverso colori accesi e soggetti fumettistici facili, di trovarsi davanti ad un lavoro divertente tipico della Pop art, in realta’ osservando bene e calando il velo di parvenza Pop, si legge una chiave polemica nei confronti della religione, delle istituzioni.I suoi lavori sono un elogio all’individualismo.

Pres Office: info@spaziorlandi.com tel/fax 02/473046 www.spaziorlandi.com

Circuiti Dinamici

2011-12-11T10:27:00.001-08:00

Indagare il rapporto tra natura e cultura è una delle cifre distintive dell’indagine (non solo occidentale) che caratterizza la modernità: da quando infatti l’uomo è sulla terra, la dialettica tra stato di natura e modificazioni imposte all’ambiente è al tempo stesso un evento concreto e una fonte inesauribile di riflessione. Con la rivoluzione industriale ed i fenomeni di inurbamento massiccio che hanno contraddistinto gli ultimi due secoli tale dialettica si è innegabilmente spostata sempre più sul lato della cultura, e l’industria ha eroso gli spazi della natura in maniera massiccia, rendendo la natura una sorta di eden irraggiungibile, cui l’uomo sembra anelare, pur essendo il responsabile della sua drastica diminuzione.Nella città che cambia questo tema è quanto mai attuale, ed ovviamente microbo.net è interessato a come gli artisti – spesso capaci di leggere in filigrana o in anticipo sui tempi la realtà, grazie alla sensibilità che li contraddistingue – interpretino questo universale tema, in questo particolare momento storico.Quella che ne è sortita, grazie ai video presentati, è una visione mai banale, mai appiattita su un ingenuo roussovianesimo new age o su una acritica esaltazione della modernità, quanto piuttosto un’indagine che esplora la tematica in tutte le sue dimensioni, proponendoci visioni costruite a volte per sottrazione a volte per addizione, ma sempre interessanti ed aperte alla nostra interpretazione.

Aldo Torrebruno

Indagare la natura, al giorno d’oggi risulta un’operazione quanto mai rischiosa: il rapporto tra natura e cultura infatti risulta talmente intrecciato da rendere pressoché impossibile indagare un aspetto senza coinvolgere l’altro. Per questo l’idea su cui abbiamo chiesto ai videoartisti della nostra community di confrontarsi è composito: naturaindustriale, la natura che si modifica proprio per il fatto di essere in rapporto con qualcosa che natura non è, ma che anzi - solitamente - prospera proprio sulla distruzione dello stato di natura. Così l’indagine si estende in diverse direzioni, ed esplora in maniera intensiva ed estensiva questo rapporto intrecciato, fino a mostrarci uno spaccato, attuale e variegato, di letture possibili.

La natura è spesso nascosta, qualche volta sopraffatta, molto raramente estinta dice Sir. Francis Bacon, difatti ancor oggi in qualche modo ci soppravvive. L’artista odierno, che vive giocoforza in un mondo dove l’industrializzazione ha snaturato il suo rapporto con essa, come fosse uno sciamano, cerca di “riparare” al malfatto in maniera poetica o diretta e violenta, instaurando una relazione/riflessione tra sé e mondo circostante. Lo scenario è quello urbano: la città, il prodotto industriale, il prefabbricato, la fabbrica e le sue rovine divengono natura per tutti noi che non abbiamo mai abitato un mondo incontaminato.I riferimenti all’arte e a quegli artisti che hanno visto la natura con occhi nuovi, si ritrovano nel video di Serena Zanardi e Alessandro Marzola, dove una colazione sull’erba senza tempo e solo apparentemente poetica ci rimanda alla rottura radicale con il passato che troviamo nell’opera di Manet. Le azioni di Beuys in difesa della natura, trovano una rivisitazione nel video del Gruppo Sinestetico e si mescolano a lavagne nere che indagano le conseguenze del progresso nel video di Rosita Uricchio e nell’operazione collettiva che si oppone al sistema di Annalisa Zarelli. Natura è anche proiezione del nostro corpo e Kishore Ghosh affronta questo attraverso segni neri dal presagio oscuro.Ciò che resta, ovvero una natura devastata dal nostro passaggio, viene osservato come un readymade da Federica Barcellona o “curato” affinché conosca una nuova vita da Paolo Baraldi, che con i suoi segni e gesti ridona un’estetica al luogo abbandonato.

Anna Epis

COMPONENTI DELLA GIURIA

Claudia Bonandrini, curatrice presso l'Associazione Circuiti Dinamici, Milano

Barbara Di Santo, critica d'arte

Anna Epis, coordinatrice microbo.net

Elena Maccari, esperta di performing arts

Aldo Torrebruno, coordinatore microbo.net

Lo scorso luglio la giuria ha selezionato i 7 video vincitori tra i partecipanti al concorso che sono stati resi noti e proiettati presso l'Associazione Sassetti Cultura in Via Volturno 35 a Milano (MM2 Gioia) domenica 23 ottobre, alle ore 19.

Gli artisti selezionati vedono l'inserimento di un fotogramma del loro video nel catalogo a colori della rassegna distribuito gratuitamente ai presenti durante la serata.

La serata video sarà riproposta lunedì 12 dicembre, alle ore 19 presso Circuiti Dinamici, Via Giovanola 21/c a Milano (MM2 Abbiategrasso)

Podcast dei video vincitori

ARTISTI VINCITORI

:ADM Serena Zanardi e Alessandro Mazzola

Paolo Baraldi | Aka il baro

Federica Barcellona

Kishore Ghosh

Gruppo Sinestetico | Matteo Albertin, Antonio Sassu, Gianluca Scordo

Rosita Uricchio

Annalisa Zarelli

Video Gruppo Sinestetico : http://www.microbo.net/podcast/enclosures/GRUPPO_SINESTETICO.mp4

Oro

2011-12-09T11:09:00.001-08:00

CLELIA CORTEMIGLIA, ILLUSTRE ARTISTA CONTEMPORANEA ESPONE LE SUE CREAZIONI IN MOSTRA DAL TITOLO “ORO” A MILANO, ALL’INTERNO DI “PROMOTER GALLERY” TEMPORARY ART SHOP, PRESSO LA RINOMATA GALLERIA D’ARTE FAMIGLIA MARGINI, DAL 12 AL 23 DICEMBRE CON INAUGURAZIONE DOMENICA 11 DICEMBRE 2011 ALLE ORE 18.30

L’Illustre artista Clelia Cortemiglia, ha scelto la rinomata Galleria d’Arte Famiglia Margini, sita in via Simone d’Orsenigo 6, nel cuore di Milano, per esporre le proprie opere, dal 12 al 23 Dicembre 2011. L’inaugurazione è prevista per Domenica 11 Dicembre alle ore 18.30.

La mostra monografica, intitolata “ORO”, è organizzata da Salvo Nugnes, ideatore dell’innovativo e originale marchio “Promoter Gallery” Temporary Art Shop, che coinvolgerà per alcuni mesi la prestigiosa Galleria, con l’allestimento di Mostre ed Eventi Culturali di notevole portata ed interesse.

“Promoter Gallery” Temporary Art Shop, è frutto dal connubio, tra appassionata vocazione per l’Arte e consolidata capacità di gestione manageriale, e richiama il diffuso e conosciuto sistema dei “Temporary Shop” già ampiamente applicato nel settore della moda, con grande successo.

Le creazioni di Clelia Cortemiglia sono frutto di una profonda ricerca sull’uso della luce e dello spazio, applicato ad un intreccio di sfumature e tonalità cromatiche, che variano dal bianco, al nero, al grigio, ed enfatizzano l’oro come colore protagonista, in quanto simbolo di regale divinità, resistenza, pregevolezza, ma anche incorruttibilità morale.

Compaiono forme e figure geometriche quasi stilizzate, volutamente essenziali e minimali, triangoli, quadrati, cerchi, con significato e valenza metaforica molto profonda, che trasmettono intense emozioni e generano riflessioni interiori.

In particolare il cerchio, rappresenta l’Universo, il Cielo infinito, l’eternità del tempo e la perfezione ciclica.

Le acclarati doti e capacità tecniche dell’artista, unitamente alla sensibilità e al coinvolgimento emotivo, emergono appieno nelle opere esposte in Mostra e la collocano in primo piano nel panorama contemporaneo, con uno stile unico e originale nel suo genere

Variabili Umane

2011-12-09T10:56:00.001-08:00

menica 11 dicembre, ore 20.30

Compagnia Atopos (scene di ironico strazio, d’odio e d’amore, di...) VARIABILI UMANE progetto e regia Marcela Serli, donna biologicamente femmina drammaturgia Marcela Serli e Davide Tolu, uomo transessuale (FtoM) con Irene Serini - donna biologicamente femmina, queer, attrice; Marta Pizzigallo - neodonna, attrice; Antonia Monopoli - donna transessuale (MtoF) referente sportello trans Ala Milano Onlus; Laura Caruso - donna transessuale (MtoF), formatrice aziendale; Matteo Manetti - uomo transessuale (FtoM), attore; Maxine Na’vì - donna transgender (MtoF), medico; Andrea Forzani - donna transgender (MtoF), dirigente aziendale; Noemi Bresciani - donna biologicamente femmina, danzatrice; Alessio Calciolari – uomo biologicamente maschio, dragqueen, danzatore; Gianluca Di Lauro - uomo biologicamente maschio, dragqueen, attore; Sheina Pecchini - donna transessuale (MtoF), ispettore di polizia; Cesare Benedetti - uomo biologicamente maschio, danzatore; Marco Caserta – uomo transessuale (FtoM), disoccupato e con i neosposi; Gaia Saitta - donna biologicamente femmina, attrice; Hervé Guerrisi – uomo biologicamente maschio, attore Immagini di Maddalena Fragnito - donna biologicamente femmina, artista visiva con la collaborazione di Renzo Francabandera - uomo biologicamente maschio, artista visivo Ricerca musicale di Francesca Dal Cero - donna biologicamente femmina, regista radio Consulenza ai costumi, Giada Masi – donna biologicamente femmina, costumista Organizzazione, Francesca Veltre – donna biologicamente femmina, organizzatrice teatrale

”Le parole sono importanti"

Alla ricerca dell’identità perduta: 1. saper guardare i nostri desideri 2. affrontare le nostre paure

Sono le premesse per questo intenso e felice lavoro che da un anno ci accompagna e ci da linfa vitale. In questo anno ho capito che una persona transessuale è sempre in via di definizione, che è in transizione sempre. E soprattutto ho capito che anche noi “normali” siamo in via di definizione sempre, e a volte senza saperlo. Aderisco davvero a me? Qual è la mia reale identità? Uomini che non sono (sempre) uomini. Donne che non sono (sempre) donne. Un insieme di variabili umane che vagano in una terra di confine senza riconoscibilità. Sono gli esclusi. Questa è la storia di un popolo offeso e della sua rivincita. Come una tragedia greca, canteremo la nostra storia e la nostra visione di felicità. Questa è anche la storia di una scoperta rivoluzionaria: Siamo esseri intersessuali. Siamo fatti di madre e padre. In scena, quindici persone con diverse identità genere. Donne, uomini e persone transgender che hanno affrontato o stanno affrontando una transizione verso il maschile, il femminile o un genere non definito, parlano, danzano, cantano la propria diversità, il proprio sguardo sulla società, sugli altri, su di sé. In scena uno schermo, una ricerca in diretta su internet, a proposito delle definizioni che ci danno, che ci diamo. Solo storie vere.

Ho proposto uno spazio vuoto, tutti in piedi, con l’instabilità che da un non luogo. Di volta in volta ho creato situazioni dove le variabili potessero muoversi e ritrovarsi e perdersi. Una struttura che segnala una esposizione diretta senza orpelli, un lavoro su di sé e su un altro da sé. Perché non si può definire qualcosa se non si definisce anche il suo “contrario”. Ho deciso di lavorare sui mostri, sugli zombies: questo desiderio ha maturato in me un'idea precisa di regia. Lavorando sulla deformazione in tante forme sono arrivata ad usare questo concetto nella messa in scena stessa. La deformazione della realtà. Senza aver paura di deformarsi per arrivare ad un caos.

Ognuna delle persone coinvolte in questo progetto ne è parte fondante, lavora con me a scoprirsi, a nascondersi, a rivedersi. Molti di loro non sono attori né danzatori professionisti, ma sono professionisti nel loro lavoro, economisti, medici, ispettori di polizia, sposati, genitori, una ex prostituta oggi consulente per una onlus, e gli altri, artisti vari, tutti insieme lavoriamo sulle nostre paure, su da dove veniamo e su dove vogliamo andare, sui nostri desideri. E tutti insieme facciamo un percorso sempre in via di definizione, come le persone in transizione. Uno spettacolo professionale, con professionisti della vita, della lotta per la vita. Uno spettacolo pulito tecnicamente, sporco emotivamente.

“Variabili Umane” dunque è la storia di un’identità mancata. Un desiderio di trovare “casa”. Un canto d'amore e d’odio per “essere” umani. Un urlo di vita. Un urlo parossistico, fottutamente indigesto. Una danza di corpi buffi e belli che desiderano essere amati.

Una tragicommedia sull’ ignoranza e una ricerca continua. Le variabili umane entrano nelle menti come un elettroshock.

ATOPOS

La ricerca della Compagnia Atopos si inserisce in un momento storico particolarmente delicato per l'Italia, dove emancipazione sessuale, pari opportunità, conquiste, diritti che sembravano sanciti sono nuovamente messi in discussione da una caduta di valori. La mercificazione del corpo della donna è una pratica quotidiana a cui l'opinione pubblica si è ormai assuefatta, e il non pieno riconoscimento della dignità della donna si collega all'ostinata negazione di diritti per le minoranze sessuali omosessuali e transgender, che determinano una legittimazione della violenza ai loro danni. Ogni anno molte persone transessuali sono vittime d'odio transfobico, l'Italia vanta il triste primato di morti per transfobia.

Il lavoro di Variabili Umane è assolutamente inedito per le sue caratteristiche di inclusione e condivisione. Persone appartenenti a minoranze sessuali sono chiamate a far parte di un percorso condiviso e diventano strumenti per un sapere comune, anziché oggetto di studio e quindi di ulteriore emarginazione. Forti della consapevolezza che, in quanto prodotti dell'unione di maschio e femmina siamo tutti potenzialmente sia maschi che femmine, poniamo le basi per un'identità condivisa da tutti gli esseri umani, di qualsiasi genere e orientamento. Il confronto tra persone di diverse identità di genere e diversi orientamenti sessuali, a coprire uno spettro il più ampio possibile, con gli strumenti del teatro, permette una profonda analisi del significato e della costruzione del maschile e del femminile attraverso i vissuti personali. Perciò i partecipanti ai laboratori teatrali sono persone “normali” - con una identità di genere e un orientamento sessuale che coincide con la norma socialmente accettata - e persone omosessuali, bisessuali, transessuali e transgender. Chiave fondamentale per l'efficacia dell'analisi e di tutto il progetto è proprio il confronto con quelle “persone che non sanno o non vogliono definirsi, altre che pensano di esserlo troppo”.

Marcela Serli è attrice, drammaturga e regista, argentina, impegnata in progetti a tematiche civili e sociali; Irene Serini è attrice e autrice coinvolta in progetti a tematica sessuale; Davide Tolu è drammaturgo, autore su tematiche di genere e transessuale.

Si incontrano in un bar di Milano. Le urgenze sono simili: parlare d’amore, sessualità e controllo sociale.

Nasce ATOPOS.

Compagnia Atopos

LABORATORIO TEATRALE SULL'IDENTITA' DI GENERE

diretto da Marcela Serli, con la collaborazione di Irene Serini e Davide Tolu

9 dicembre dalle 14 alle 20

10 dicembre dalle 10 alle 13 e dalle 14 alle 20

11 dicembre dalle 10 alle 13 e dalle 14 alle 17

"Dal momento che il genere è un principio d'ordine e la differenza sessuale il primo criterio di gerarchizzazione della specie, rinunciare a capire il sesso e il genere significa rinunciare a comprendere la logica dei rapporti umani" (Lidia Cirillo)

La compagnia teatrale ATOPOS, vincitrice del Premio Tuttoteatro.com Alle Arti Sceniche “Dante Cappelletti” 2010 con lo spettacolo “Variabili Umane” sull’identità di genere, propone un laboratorio teatrale rivolto ad attori, danzatori e artisti dai diversi linguaggi espressivi ma anche a tutti coloro che sono curiosi di sperimentare le proprie possibilità creative indagando sulla propria identità e in particolare sulle proprie componenti maschile e femminile.

Partiremo dall'analisi della psicogenesi del maschile e del femminile attraverso l’osservazione e il confronto tra persone di diverse identità di genere. Lavoreremo sulla percezione del nostro corpo, del suo peso e della sua occupazione nello spazio (esteriore e interiore), sulla percezione degli altri nello spazio e quindi del loro peso. Indagheremo le potenzialità espressive del corpo e degli stati emotivi attraverso tecniche di improvvisazione e dunque di composizione. In particolar modo ci concentreremo sulla differenziazione dei i generi e sulla costruzione di personaggi maschili e femminili. A questo fine proporremo un percorso di osservazione guidata e di emulazione della realtà.

Un momento della giornata sarà dedicato al lavoro da “performer”, in cui il corpo diventerà strumento artistico, per giungere a teatralizzare il sé.

Alla fine del lavoro i partecipanti saranno in grado di raccontarsi e di raccontare la propria identità attraverso un’installazione teatrale. Una giornata tipo prevede teorie di genere con narrazioni/presentazioni di sé, training fisico e vocale, improvvisazione e composizione (il cerchio del ritmo), ricerca sull’identità personale.

Il laboratorio sarà diretto da Marcela Serli, attrice e regista argentina, laureata in drammaturgia contemporanea. Progetta e realizza spettacoli a tematica sociale.

Con la collaborazione di Irene Serini, attrice diplomata alla Scuola del Piccolo Teatro di Milano, già coinvolta in progetti teatrali che affrontano il tema dei tabù legati al sesso; e di Davide Tolu, drammaturgo e compositore, autore di articoli e libri su transgenderismo e identità di genere.

Al Teatro India, lungotevere Vittorio Gassman 1, Roma

150 euro tutti

120 euro coloro che fanno parte di associazioni trans o LGBT

Il gatto di Schrödinger

2011-12-08T05:20:00.001-08:00

Su Amazon, nella sezione e-book di fantascienza, spiccano due vecchie conoscenze di Quaz Art: Il gatto di Schrödinger di Lukha Kremo Baroncini, sulle strane implicazioni della meccanica quantistica e Sogno di un futuro di mezza estate (eCapsule) di Francesco Verso, entrambi editi dalla Kipple Officina Libraria...

Ottimi libri, a prezzo molto, molto ragionevole...

premio Dante Cappelletti

2011-12-08T04:53:00.001-08:00

PREMIO TUTTOTEATRO.COM ALLE ARTI SCENICHE

“DANTE CAPPELLETTI” 2011 – ottava edizione

Teatro India – sabato 10 e domenica 11 dicembre 2011

Lungotevere Vittorio Gassman, 1 Roma – dalle ore 15.00

Il Premio Tuttoteatro.com alle arti sceniche "Dante Cappelletti", istituito dall'Associazione culturale Tuttoteatro.com, con la direzione di Mariateresa Surianello, giunto quest’anno all’ottava edizione, continua il suo importante percorso per promuovere e sostenere progetti di spettacolo ancora inediti, e comunque mai allestiti in forma scenica, con il sostegno dell’Assessorato alle Politiche Culturali della Provincia di Roma e in collaborazione con il Teatro di Roma.

“Il Premio rafforza il rapporto tra teatro e società valorizzando una nuova generazione di artisti - dichiara l’assessore alle politiche culturali della Provincia di Roma Cecilia D’Elia – Molto innovative sono le modalità secondo le quali si svolge selezionando messe in scena ancora inedite. Il Premio è un’autorevole vetrina sul piano nazionale del teatro di ricerca che si conferma un forte snodo di contenuti, valori, riflessioni e visioni sul nostro presente.”

Sabato 10 e domenica 11 dicembre 2011 si svolgeranno al Teatro India di Roma le selezioni finali dell’ottava edizione del Premio dedicato al critico teatrale Dante Cappelletti, scomparso nel 1996, studioso e docente universitario che ha saputo trasmettere l’importante ruolo che il teatro può e deve avere nell’indagine dei mutamenti contemporanei.

Il Premio Tuttoteatro.com "Dante Cappelletti", si conferma un’occasione importante di confronto e sostegno per i concorrenti, ma anche per il pubblico che avrà la possibilità di assistere ad una ricognizione sulla produzione contemporanea, scoprendo le urgenze espressive di chi vuole continuare ad osservare l’oggi e le sue continue mutazioni, attraverso il teatro, la danza, la musica e l’arte visiva.

Tra i centoquattro progetti in concorso, la giuria, presieduta da Paola Ballerini (nipote di Dante Cappelletti) e composta da Roberto Canziani, Gianfranco Capitta, Massimo Marino, Renato Nicolini, Laura Novelli, Attilio Scarpellini, Mariateresa Surianello e Aggeo Savioli quale membro onorario, ha selezionato i seguenti progetti, che saranno mostrati al Teatro India in forma di studi scenici:

Sabato 10 dicembre

ore 15.00 - NYMPHA, MANE! - ErosAntEros

ore 15.40 - AFFIATATI – Progetto per una famiglia monca – Teatrialchemici

ore 16.20 - XXX PASOLINI – Fabio Massimo Franceschelli/OlivieriRavelli Teatro

ore 17.00 - LABBRA BLU – Adriano Mainolfi

Domenica 11 dicembre

ore 15.00 - PASSI – Tamara Bartolini

ore 15.40 - SALVE REGGINA! Storia di ‘ndrangheta smitizzata – Rosario Mastrota/Andrea Cappadona

ore 16.20 GIRO SOLO ESTERNI CON ANEDDOTI - Teatro Comunale di Occhiobello/Arkadis/Giulio Costa

ore 20.00 premiazione vincitore

ore 20.30 Atopos presenta VARIABILI UMANE spettacolo vincitore della VII edizione

INGRESSO LIBERO

Tra i sette finalisti la giuria sceglierà il vincitore che riceverà il premio di produzione.

Gli studi proposti sono come sempre molto diversi. C’è una donna e le sue confessioni nel Labbra blu di Adriano Mainolfi, mentre due donne mettono in moto un corpo, alla ricerca disperata ma gioiosa di un disequilibrio, di un credere nel vuoto, cercando il cammino e non il traguardo nei Passi di Tamara Bartolini. Abbandona la casa la madre di Agor e moglie di Lu, e la relazione tra padre e figlio che soffre della mancanza si complica quando Lu decide di regalare una cane a Agor in Affiatati di Teatrialchemici. Parte da Petrolio per dimenticarlo subito, parte da Pasolini per poi metterlo in secondo piano, nell’intenzione di non “sporcarlo”, di non fraintenderlo, di non tradirlo XXX Pasolini di Fabio Massimo Franceschelli/OlivieriRavelli Teatro. All’interno di un progetto dedicato ai mestieri nel Giro solo esterni con aneddoti di Giulio Costa la carrellata di uomini al lavoro si arricchisce della presenza di una guida turistica che, con la sua “arte”, mostra l’invisibile. ErosAntEros nasce dall'unione tra Davide Sacco e Agata Tomsic, e il loro progetto di ricerca sulla figura della ninfa, in rapporto all'uomo e alle sue immagini ha dato vita a Nympha Mane!. Munticchi e Puliti di Palmi, non sono in lite ma sono alleati nel Salve Reggina! di Rosario Mastrota, dove l’amore tra Romeo e Giulio palesa una reale combutta, intesa come gestione e controllo degli “affari di ‘ndrangheta”.

Anche quest’anno le finali del Premio sono pensate come una festa dedicata a Dante Cappelletti, un’occasione d’incontro e di confronto.

Domenica 11, alle 20.30 sarà presentato lo spettacolo vincitore della scorsa edizione del Premio: Variabili Umane della compagnia ATOPOS di Marcela Serli. Uno spettacolo che nasce da un laboratorio nel quale si è toccato alla radice il problema dell'identità biologica, civile ed emotiva della persona. La compagnia ATOPOS fa sì che il teatro diventi luogo di visibilità per una biopolitica, e ancora più in profondità, per una condizione umana che non avrebbe altrimenti luoghi in cui manifestarsi.

Nel foyer, come di consueto, saranno esposte le locandine delle passate edizioni del Premio, accanto all’opera Oro, composta di tre nuove tavolette, create da Massimo Staich nel corso dell’elaborazione dell’immagine 2011.

Sono state aperte a tutti le iscrizioni per la giuria popolare, presieduta da Giorgio Testa, rinnovando la collaborazione con il Centro Teatro Educazione (CTE). Attivo dal 1997 al 2010, il CTE è stata la struttura per l’educazione al teatro che l’ETI - Ente Teatrale Italiano ha promosso. Tra le sue attività la sperimentazione di una metodologia per la formazione del pubblico, mirata a “costruire comunità” a partire dall’esperienza condivisa del vedere teatro.

Al Teatro India da venerdì 9 a domenica 11 dicembre la compagnia ATOPOS, propone anche un Laboratorio sull’identità di genere diretto da Marcela Serli, con la collaborazione di Irene Serini e Davide Tolu, rivolto ad attori, danzatori e artisti dai diversi linguaggi espressivi, ma anche a tutti coloro che sono curiosi di sperimentare le proprie possibilità creative indagando sulla propria identità e in particolare sulle proprie componenti maschile e femminile.

Comunicazione e promozione

Binariodue Roma

Carla Romana Antolini e Monica Cannone

393 9929813 – 339 2123590

antolini.cannone@gmail.com

L'arte contemporanea

2011-12-07T05:12:00.001-08:00

Su Quaz Art, chiacchierata di Wulliam Herbeff sull'Arte Contemporanea

Le Farfalle

2011-12-07T03:39:00.000-08:00

Ritratti di donne in un simposio di tecniche, uno spaccato sulle verità in tensione dentro il corpo femminile.

Nel mese di dicembre Famiglia Margini è lieta di presentare sulla prima galleria galleggiante di Milano, alle Scimmie on the Boat, in via Ascanio Sforza 49, una possibile visione serena di luce bianca in fondo al tunnel, dove Eva rinasce nell'alba di una nuova era.

Donna, nel seguire con gli occhi il volo delle farfalle, non incrociare lo sguardo di Medusa e non cadere negli inganni della Maga Circe, cammina fiera sulle orme di una Venere: riflesso di te stessa nel compimento del tuo essere

Perché sesso non fa rima con amore e tu sei bella se sei di plastica, usa e getta come una bambola?

Perché non ti ribelli tu che sei un sacco-donna e vivi nel packaging delle sure del corano, perché ancora guardi in basso attraverso una rete?

Donna va a chiedere diritti sulla Luna e dì che il mondo gira al contrario.

Una donna è forse un uomo mancato, nel teatro del sistema dell'arte, storicamente vale meno di un travestito. La donna è l'ultima ruota del carro nell'Ecclesia, essere impuro da tener lontano dall'altare e dalle poltrone.

9 Dicembre 2011

"Le Farfalle", allora, è una mostra collettiva che alle soglie del Natale riscopre l'amore nel "coraggio rosa" d'esistere e di ricercare attraverso l'arte il senso della vita e l'equilibrio nei rapporti.

Giovanna Lacedra in altalena fra malattia e terapia, di-segna calcoli algebrici di ossessive sottrazioni, dove la vita si riduce ad uno spigoloso grafico cartesiano: un equazione con la morte, nella triangolazione cibo- corpo-peso.

Giochi di seduzione pervadono le fotografie di Beatrice Morabito; attraverso il suo colto sguardo il dramma dell'esistenza si fa estetico: bambole di porcellana ornate di perle nell'ambiguità dei legami sottesi sul filo del limite fra realtà e desiderio.

E la pittura che ribalta ancora una volta la discussione stupendo con visioni rapaci di un inedito vitalismo cromatico, ha gli stilemi di una tradizione marchigiana della linea pura che sulle tele di Erika Patrignani, si fa sintesi grafica del panorama di contaminazioni ibride del 21° secolo.

Sculture etiche: frammenti e oggetti di plastica rilasciati dal mare sono la materia plasmata da Annarita Serra, creando opere poetiche che nella loro bellezza struggente svelano solo da vicino la loro natura “riciclata”. Un mosaico moderno dove si mescola sapientemente il desiderio ecologico con un intenso impegno estetico e comunicativo.

Guardando i video di Bärbel Neubauer si apre un universo di immagini, suoni e colori che una pagina scritta non potrebbe mai raccontare. Come in un a pittura digitale si schiudono miriadi di figure in continua metamorfosi, decorative, poetiche e mai banali. Arte visiva nella sua massima espressione.

LE FARFALLE. Le donne si amano?

Mostra a cura di Grace Zanotto, Massimiliano Bisazza & Pier Giorgio Giraudo.

Artiste: Giovanna Lacedra, Beatrice Morabito, Bärbel Neubauer, Erika Patrignani & Annarita Serra.

9 Dicembre 2011 - 9 Febbraio 2012

Scimmie on the Boat, via Ascanio Sforza 49 Milano.

Vernissage: venerdì 9 Dicembre 2011 ore 19.30 Aperitivo on the boat

Assaggio musicale del disco d’esordio di PlusEnsure, progetto di elettronica emo-minimale con base sulle colline marchigiane. Sette tracce che si spiegano su un‘elettronica calda e rigorosamente analogica, volutamente scarna,generate da una costruzione sonora per sottrazione. Titolo: “Herman the Giant Rabbit” !

Herman è un coniglio, ma non un coniglio come gli altri; è un coniglio gigante! Tracce che assumono valore nell’insieme, nello scorrere una dopo l’altra fino a creare una sorta di limbo-vortice di fuga e sospensione. Va ascoltato così, come andrebbe ascoltato tutto, senza fare altro.

Aperto tutti i giorni dalle 20.00 alle 2.00 Chiuso il martedì

Per ulteriori informazioni:

web: www.scimmie.it www.famigliamargini.com

e-mail: scimmie@scimmie.it

Tel. 328 5989162

Grace Zanotto

cell.3287141308

tel. 0255199449

gracezanotto@gmail.com

Famiglia Margini Ass.Culturale

e galleria d'arte contemporanea

Via Simone d'Orsenigo 6

20135 Milano, Italia

www.famigliamargini.com

Roma Visionaria

2011-12-05T12:22:00.000-08:00

A partire dal 9 dicembre, alla fiera della piccola e media editoria Più Libri, Più Liberi, al Palazzo dei Congressi all'Eur la Giulio Perrone Editore presenta il saggio Roma Visionaria. Tra gli artisti presenti Marcello Toma e Sabrina Ortolani

Intervista a Giuseppe Sassone

2011-12-04T07:33:00.001-08:00

Su Quaz Art, intervista al pittore iperrealista Giuseppe Sassone

Sulla Bellezza

2011-12-03T06:40:00.000-08:00

Che cosa vedono dunque questi occhi interiori? Appena risvegliati, certo non possono sostenere la vista delle realtà luminose. Bisogna abituare l'anima pian piano a osservare dapprima le belle abitudini di vita, poi le opere - e non intendo gli oggetti materiali prodotti dal lavoro dell'artigiano, ma le azioni degli uomini buoni. Subito dopo, bisogna educarci a osservare l'anima di coloro che compiono azioni belle. Come si fa a scrutare dentro l'anima di un uomo buono per scoprire la sua bellezza?

Coraggio, ritorna in te stesso e osservati: se non vedi ancora la bellezza nella tua interiorità, fa come lo scultore di una statua che deve diventare bella. Egli scalpella il blocco di marmo, togliendone delle parti, leviga, affina il marmo finché non avrà ottenuto una statua dalle belle linee. Anche tu, allora, togli il superfluo, raddrizza ciò che è storto, lucida ciò che è opaco perché sia brillante, e non cessare mai di scolpire la tua statua, finché in essa non splenda il divino splendore della virtù e alla tua vista interiore appaia la temperanza assisa sul suo sacro trono. La tua anima si è così trasformata? Ti vedi in questo modo? Hai tu con te stesso un rapporto puro, senza che alcun ostacolo si frapponga fra te e te, senza che nulla di estraneo abbia inquinato la tua purezza interiore? Sei tu, interamente, divenuto splendente di pura luce? Non una luce - dico - che si può misurare per forma o dimensione, che può diminuire o aumentare indefinitamente per grandezza, ma una luce assolutamente al di là di ogni misura, perché essa è superiore a ogni grandezza e a ogni quantità? Riesci adesso a vederti così?

Tu stesso allora sei divenuto pura visione, vivi presso te stesso e, pur restando nel mondo di quaggiù, ti sei innalzato interiormente. Allora, senza più bisogno di guida, fissa il tuo sguardo e osserva. Il tuo occhio interiore ha dinnanzi a sé una grande bellezza. Ma se cerchi di contemplarla con occhio ammalato, o non pulito, o debole, avrai troppo poca energia per vedere gli oggetti più brillanti e non vedrai nulla, anche se sei dinnanzi a un oggetto che può essere visto. Bisogna che i tuoi occhi si rendano simili all'oggetto da vedere, e gli siano pari, perché solo così potranno fermarsi a contemplarlo. Mai un occhio vedrà il Sole senza essere divenuto simile al Sole, né un'anima contemplerà la bellezza senza essere divenuta bella. Che ciascun essere divenga simile a Dio e bello, se vuol contemplare Dio e la bellezza.

Innalzandosi verso la luce, giungerà dapprima presso l'intelligenza, e qui potrà osservare che tutte le idee sono belle e si accorgerà che è lì la bellezza, proprio nelle idee. Per esse, infatti, che sono i prodotti e l'essenza stessa dell'intelligenza, esiste ogni realtà bella. Ciò che è al di là della bellezza, noi lo identifichiamo come la natura del bene, e il bello le è dinnanzi. Anzi, per usare una formula d'insieme, si dirà che il primo principio è il bello, ma - per fare una distinzione tra ciò che è intellegibile - bisognerà distinguere il bello, che è il luogo delle idee, dal Bene che è al di là del bello e che ne è la sorgente e il principio. Ovvero si comincerà col fare del bello e del bene un solo e identico principio. Ma, in ogni caso, il bello è nel regno delle cose che possono essere colte con la mente.

Plotino

Factory

2011-12-03T06:35:00.001-08:00

Per chi può visitarlo, è una bellissima esperienza...

MAKE ART

2011-12-02T05:46:00.001-08:00

All'Hula Hoop, in via via De Magistris 91/93 (Pigneto), Roma, il 16 dicembre alle ore 20 Togaci presenta la mostra MAKE ART di Alessandra Liberato e Lucia Proia

Tra ambientazioni surreali e viaggi onirici Alessandra Liberato e Lucia Proia si dividono gli spazi dell'Hula Hoop Club per una bi-personale a cura di Togaci che inaugura il 16 dicembre 2011.

Il punto di vista a tratti malinconico, quasi inquietante ma senza perdere quel giusto senso di rassicurazione, di Lucia Proia si contrappone a una visione più smaliziata, fanciullesca, fortemente influenzata da una visione fiabesca che caratterizza le opere di Alessandra Liberato.

L'istintività dei lavori di Alessandra Liberato evoca atmosfere e sensazioni che i personaggi vivono nelle sfumature dell'artista.

Legata alI'illustrazione di libri per bambini, i suoi mondi ci riportano alla nostra infanzia, quando da piccini sognavamo ad occhi aperti sperando che tutto fosse possibile e che niente avrebbe impedito di realizzare ogni piccola grande fantasia che solo l'innocenza di un bambino è in grado di suscitare.

Altrettanto fiabeschi sono gli universi paralleli di Lucia Proia. Per entrare in empatia con la poetica dell'artista è di fondamentale importanza non perdere il contatto con la propria infanzia e credere ancora nella magia della favola.

L'innocenza entra in contrasto la parte oscura e decadente dando carattere ai personaggi rappresentati dall'autrice. Ispirata spesso dalle Pullip Dolls, i soggetti rappresentati incarnano questi aspetti del suo lavoro.

Di chiara matrice Pop Surrealista, i lavori delle due giovani artiste si fondono creando una perfetta armonia tra i due mondi a un primo impatto diversi ma che trovano nell'illustrazione un ideale punto di contatto comune.

Marco Milani

2011-12-01T05:38:00.001-08:00

Su Quaz Art, intervista allo scrittore ed editore Marco Milani

Fear and Desire

2011-12-01T05:29:00.000-08:00

GarageZero propone un nuovo appuntamento con il contemporaneo, celebrando la Street art nello spazio occupato di via dei Treviri, l'innovativo spazio museale offerto al quartiere e al pubblico. Diamond inaugura la poetica urbana con la sua personale rassegna Fear & Desire, un percorso che attraverso le armi e le immagini femminili, narra i risultati dell'imposizione mass mediatica e del potere politico. Una denuncia verso i contenuti che questa società diffonde con la violenza e il terrore.

Diamond oggi è un artista internazionale e istituzionale, ma la sua creatività prende forma sulla strada e negli anni ha trovato asilo in numerosi spazi autogestiti, su muri assegnati o conquistati nella città. Diamond ha aderito dal principio al programma di GarageZero, il primo museo occupato della città di Roma che vuole contribuire al rilancio e allo sviluppo della cultura nella capitale. Un progetto che mira a valorizzare tutti quei luoghi disseminati nella metropoli per ospitare diversi linguaggi artistici. La Street art si affianca per sua natura a questa iniziativa, con la volontà di creare un nuovo polo culturale.

La mostra sarà articolata in due fasi, In e Out.

IN: Diamond allestirà lo spazio GarageZero con dei poster di grandi dimensioni, in questo modo l'opera entra nello spazio istituzionale.

OUT: in un secondo momento, le opere di Diamond saranno donate alla strada e messe a disposizione di un pubblico più vasto, composto dal cittadino qualunque.

L'azione Out verrà documentata e riportata sul sito ufficiale di GarageZero. In questo modo Diamond offre la possibilità di vivere da vicino il contenuto primo della poetica urbana, diffondere l'arte dentro e fuori i circuiti a lei prescritti e così riuscire ad arrivare ovunque, anche nei posti lontani dai centri culturali e fungere da servizio per tutti i cittadini.

A cuore aperto

2011-12-01T05:18:00.000-08:00

Al teatro Quirino, "Il disegno sul cuore", Rosalba Panzieri e la cardiochirurgia.

Sul palco insieme all'autrice i cardiochirurghi Antonio Amodeo e Vincenzo Loiaconi, la fotografa Michela Alessia Marcato, il campione Felice Pulici e il Presidente di Alberoandronico Pino Acquafredda.

"Il disegno sul cuore", spettacolo teatrale di umanizzazione della medicina, scritto e interpretato da Rosalba Panzieri, riprende il tour che toccherà i maggiori nosocomi della capitale e d'Italia, dopo la presentazione ufficiale in Campidoglio e negli studi di Rai Uno. Questo spettacolo, che rivoluziona l'approccio medico-paziente, attraverso la letteratura ed il teatro, debutterà il 3 dicembre al Teatro Quirino, ospite del'evento di musica e parole organizzato dall'Associazione Alberoandronico. Nei testi che rappresenta nelle corsie degli ospedali Rosalba Panzieri mette in primo piano il cuore, la medicina e le malattie che lo riguardano, il connubio indissolubile medico-paziente, che supera paure e reticenze per svelare un legame tanto profondo quanto spesso inespresso. Partendo dalla potenza retorica del corpo si fa luce sulle ansie generate dalla malattia. E il corpo, sia di chi cura, sia di chi è curato, si espleta in linguaggi diversi: duplici vocabolari della stessa patologia narrati da medico e paziente per riconoscersi equivalenti e indispensabili nell'obiettivo guarigione. Durante lo spettacolo saranno proiettate le immagini della mostra fotografica"a cuore aperto",ritratti di cardiologi e cardiochirurghi contemporanei, realizzata dalla fotografa Michela Alessia Marcato, che rende il cuore protagonista di un'indagine di ciò che rappresenta la cura e crea guarigione. Appuntamento speciale questo del 3 dicembre per l'autrice e per il pubblico che la sostiene, perché Rosalba Panzieri torna a calcare le scene dopo aver affrontato e superato in prima persona la malattia, operandosi al cuore nell'estate di quest'anno. Dopo la performance dell'autrice, interverranno il cardiochirurgo Vincenzo Loiaconi, compagno di viaggio dalla prima tappa del tour iniziato al S.Filippo Neri, per volontà del Direttore Generale Domenico Alessio, ed Antonio Amodeo cardiochirurgo d'avanguardia del Bambin Gesù, collaboratore del progetto rivolto ai bambini cardiopatici e loro genitori. Presente anche il campione della S.S.Lazio Felice Pulici che ha espresso il suo sostegno al progetto.Tra i medici di fama internazionale coinvolti ne "il disegno sul cuore", che ha ottenuto recentemente il Patrocinio del Co.Na. Cuore, ricordiamo il Prof. Massimo Santini, il Prof. Bruno Marino, il Prof. Sandro Marenzoni.

http://www.youtube.com/watch?v=BmqryGp4tCs

Be smart buy art!

2011-11-30T05:14:00.000-08:00

Alla Galleria Spazio San Giorgio, in via San Giorgio 12/A Bologna, dal 10 dicembre 2011 al 14 gennaio 2012, Be smart buy art! un appuntamento originale e accattivante, una mostra collettiva dove trovare opere in formato accessibile di grandi e giovani artisti emergenti. Dal neo-pop alla grafica, dal design all'illustrazione, gli artisti propongono il meglio della loro originalità e creatività.

Pao, Willow, Iabo, Gec, Alessandra Maio, Stylemylife designers, Federico Zenobi e Silvia Faini saranno i protagonisti di questa insolita e vivace esposizione, che aprirà le porte al pubblico dal 10 Dicembre al 14 gennaio.

Pao, grande street-artist milanese di indiscutibile successo. Ha collaborato con importanti aziende tra le quali Motta e tante altre. In mostra i suoi noti "pinguini" in versione stencil e "panettone".

Willow, artista milanese di grande successo. I suoi soggetti neo-pop e coloratissimi sono stati scelti da grandi marchi tra i quali ricordiamo Borsalino. In esposizione tele di piccolo formato e oggetti di design.

Iabo, artista napoletano, giovane astro nascente nel panorama contemporaneo grazie ai suoi "volti" contrapposti che ci portano a S/Orridere anche in tempi bui. In mostra stampe di piccolo formato.

Gec originale ed eclettico artista del panorama torinese sviluppa la sua poster art in ambito urbano finalizzando la sua street art alla riflessione sociale. In mostra alcuni dei sui più famosi lavori sviluppati su diversi supporti.

Alessandra Maio, giovane, raffinata e originalissima artista bolognese. I suoi incredibili lavori, pazienti e ipnotici, saranno in esposizione con una serie di farfalle realizzate con la sua tecnica "ripetitiva" e "ossessiva"... tutta da scoprire.

STYLEMYLIFE tramite il proprio sito promuove il design di qualità ed offre servizi ed occasioni per valorizzare la creatività dei propri iscritti web. In mostra alcuni oggetti già inseriti nel proprio catalogo ed alcuni, autoprodotti dai singoli designers, realizzati in tiratura limitata e/o in forma di prototipo.

Silvia Faini, artista milanese, decoratrice e illustratrice di successo grazie ai suoi delicati lavori in bianco e nero e acquerello. In mostra i suoi "alberi" in varie versioni.

Federico Zenobi giovane ed emergente street-artist di Jesi, ha riscosso successi e riconoscimenti attraverso i suoi enormi graffiti. Si stacca dal muro (ma non dallo spray) e ci presenta diversamente opere di piccolo formato su lastre di metallo

Tre di uno di Alessio Schiavo

2011-11-30T05:01:00.000-08:00

Tre di uno di Alessio Schiavo dal 3 dicembre 2011 al 15 gennaio 20121 novembre 2011 Presso Area 35 Via Vigevano 35 . 20144 Milano da martedì a venerdì dalle 15.30 alle 19.30, lunedì e sabato con prenotazione a :

info@area35artfactory.com

oppure al numero 340 5061260

INAUGURAZIONE : 2 dicembre 2011 dalle ore 19 alle ore 22

Area 35, il Nautilus del nuovo sentire dell'uomo contemporaneo, esplora arte, pittura , scultura ma anche design ed architettura, indagandone e testimoniando il continuo cambiamento del pensiero creativo.

Area 35, in via Vigevano 35 in un caratteristico cortile dei vecchi navigli.

Un’ombra, una maschera, un pesce. Cosa possono mai condividere, nell’universo metafisico della propria essenza? Per capirlo bisognerebbe innanzitutto coglierla, questa essenza, capire chi, capire cosa, prima di capire qual è il rapporto che lega chi e cosa.

La ricerca stilistica di Alessio Schiavo va in questa direzione: percepire l’identità, o almeno tentare di farlo, che poi in fondo non fa alcuna differenza: perché è proprio nel tentativo di cogliere una forma che l’identità prende vita, prima ancora della forma stessa.

Proprio perché la forma non è il vero fine, l’identità emerge, meravigliosamente imprigionata in un limbo esistenziale, a metà tra una linea e il suo contorno, tra un tratto e la sua negazione, tra la luce e il suo opposto: per l’appunto, in un’ombra, una sfumatura. Ecco perché nel passaggio tra il bianco e il nero in tutti i quadri di Schiavo sta la chiave di un’estetica primordiale che si nutre della labilità di un confine come atto di necessità per affermare il mondo circostante.

E non importa cosa rimane da una parte e cosa dall’altra, non importa se questo limite cattura l’inquietudine di una smorfia o la solennità di un profilo arcaico. Ciò che veramente conta, perché

esiste prima di tutto, è la condizione di un passaggio ancestrale.

Ognuno di quei passaggi di luce è la storia di una mutazione, una migrazione: un’epifania del divenire, pur nell’apparente immobilità dei soggetti. Come il rumore del mare per un navigante senza nome, che non sa da dove è partito e non sa dove arriverà, ma riconosce nel suono delle onde la ragione stessa del suo navigare.